Recap: ottobre 2017

Anche ottobre è passato: un mese ricco di uscite interessanti. Tra di esse, ci concentriamo sul primo CD solista di Liam Gallagher, sul ritorno di Wolf Alice, Four Tet, King Krule e Protomartyr e sul nuovo album di Annie Clark aka St. Vincent.

King Krule, “The OOZ”

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Rock, punk, trip hop, jazz, R&B: ecco alcuni dei generi affrontati con successo da Archy Marshall nel suo nuovo CD a nome King Krule. Le numerose identità artistiche assunte da Archy (Zoo Kid, King Krule, il suo nome) hanno significato spesso alcuni cambi nel sound dei dischi prodotti: più ingenui i brani di Zoo Kid, molto eclettici quelli di King Krule, elettronici quelli a nome Archy Marshall. In “The OOZ”, il giovane cantante inglese propone una ricchissima collezione (19 canzoni per 77 minuti di durata), molto varia, sia come lunghezza dei pezzi che come sonorità. Come già accennato, abbiamo pezzi feroci (come la bellissima Dum Surfer e Half Man Half Shark), brani jazz (le belle ballate Czech One e Logos), altri che ricordano i Blur di “13” (Lonely Blue e Biscuit Town).

In generale, stupisce come finalmente Archy sia riuscito a mettere in mostra tutto il suo talento pur producendo un disco che molti potrebbero bollare come incoerente o troppo ambizioso: un ventunenne che produce con uguale facilità brani rock, jazz e punk non è comune. Inoltre, malgrado il gran numero di brani nella scaletta, nessuno è puramente usato come riempitivo; belli poi i richiami interni al CD, per esempio le due versioni di Bermondsey Bosom, prima “left” poi “right”.

I testi, come sempre nelle canzoni a nome King Krule, affrontano il lato sporco del mondo, in particolare della vita di un giovane di periferia: solitudine, criminalità, droga. Non è un disco facile, come avrete capito: tuttavia, per gli ascoltatori pazienti e amanti della musica ambiziosa e sperimentale, “The OOZ” è un trionfo. Fra i brani migliori abbiamo le già ricordate Dum Surfer e Czech One; non male anche l’enigmatica A Slide In (New Drugs) e The Cadet Leaps, che sembra presa da un disco di Brian Eno. Ottima la title track. Meno riuscite invece Midnight 01 (Deep Sea Diver) e Emergency Blimp, ma non rovinano un LP davvero fantastico. Le influenze sono numerose, ma proprio per questo il sound creato da King Krule è unico: un po’ Massive Attack, un po’ Joy Division, un po’ Tom Waits ecc.

In conclusione, Archy Marshall ha finalmente prodotto quel capolavoro che critica e pubblico aspettavano, ciò che “6 Feet Beneath The Moon” non era stato, malgrado la hype creata da alcuni media. Se non si tratta dell’album dell’anno, poco ci manca. Di certo entrerà nella top 5 di A-Rock, bisognerà vedere in quale posizione.

Voto finale: 9.

St. Vincent, “MASSEDUCTION”

St Vincent

Annie Clark, meglio conosciuta col nome d’arte St. Vincent, sembra incapace di sbagliare un LP. Il suo nuovo lavoro, “MASSEDUCTION”, è un trionfo per gli amanti del pop. Annie ci aveva già fatto intravedere il suo lato più pop, specialmente nel riuscitissimo omonimo album del 2014. Tuttavia, la sua straordinaria abilità di mescolare pop ed indie rock l’aveva sempre distinta dal mainstream. Le sue schitarrate selvagge, poi, a metà fra Plant e Fripp, rendevano le sue canzoni imprevedibili.

Per questo stupisce per certi versi la svolta verso il pop più zuccheroso: questa mossa rischia di alienare molti fan della prima ora, ma è stata fatta con la speranza di ampliare contemporaneamente la platea di ascoltatori. “MASSEDUCTION” ricorda “Melodrama” di Lorde per alcuni tratti comuni delle due cantanti: fascino particolare, nessun timore a parlare dei propri sentimenti, talento fuori dal comune. Anche le due voci sono assimilabili. Tuttavia, mentre Lorde è solo al secondo CD, Annie Clark è già al sesto (comprendendo anche il disco collaborativo con David Byrne). La creatività non è decisamente venuta meno, comunque: contiamo difatti tracce molto interessanti come Los Ageless e Pills, che parlano delle persone che cercano di non invecchiare mai attraverso ritocchi o farmaci in maniera molto ironica. Belle anche le romantiche ballate New York ed Happy Birthday, Johnny. Convincono meno le canzoni troppo anni ’80, che ricordano molto (fin troppo) Police e Depeche Mode: ne sono esempi Sugarboy e la title track.

I testi, come già accennato, prendono di mira prevalentemente la cultura dell’eterna bellezza e dell’apparenza come unico valore, in un mondo dominato dai social e dai selfie. Ecco, diciamo che se gli Arcade Fire fossero stati ispirati avrebbero partorito un CD complessivamente buono come “MASSEDUCTION” e non il poco riuscito “Everything Now”.

In conclusione, questo non è certamente il disco più riuscito di St. Vincent: “Strange Mercy” (2011) e “St. Vincent” (2014) sono irraggiungibili, tuttavia Annie Clark ci ha fatto vedere di essere una artista a tutto tondo, capace anche di esplorare generi nuovi senza perdere la propria identità. Per quanti cantanti di oggi possiamo dire lo stesso?

Voto finale: 8.

Wolf Alice, “Visions Of A Life”

Wolf Alice

Il secondo album del giovane gruppo inglese dimostra ancora una volta il loro immense talento. “Visions Of A Life” cerca di innestare qualche novità nel sound della band: se l’esordio “My Love Is Cool” (2015) entrò nella top 5 dei più bei album del 2015 di A-Rock era perché sapeva fondere benissimo il rock anni ’90 di Nirvana e Verve con i più contemporanei Arctic Monkeys e Libertines. Nel nuovo LP, Ellie Rowsell e compagni introducono anche tratti shoegaze nel loro sound, ma ricordano a tratti anche il pop degli M83.

L’inizio del CD è ottimo: Heavenward è un ottimo brano shoegaze, che sembra composto da My Bloody Valentine o Slowdive; Beautifully Unconventional è intrigante come i migliori momenti di “My Love Is Cool”. Avrete notato quanti riferimenti a band del passato ci sono in “Visions Of A Life”: il tratto che sembrava più caratteristico dei Wolf Alice, un folk-rock lento o duro a seconda delle circostanze, è un po’ in secondo piano in questo secondo album. Solo nel finale, con Sadboy e St. Purple & Green, si torna alle sognanti atmosfere di “My Love Is Cool”. Tuttavia, i risultati restano comunque gradevoli: le già ricordate Heavenward e Beautifully Unconventional sono belle, così come Sky Musings, forse il vero highlight, con la voce della Rowsell al top. Non trascurabile anche la conclusiva title track, un’epica suite da oltre 7 minuti.

In conclusione, non stiamo parlando del disco che riscrive la storia del rock inglese, come alcune pubblicazioni d’Oltremanica sembrano pensare (vero, NME?). Nondimeno, una band del talento e dell’eclettismo dei Wolf Alice non è rinvenibile in America o, comunque, nel resto del continente europeo. Attendiamo con ansia la terza prova del complesso britannico, per dare una valutazione definitiva ai Wolf Alice.

Voto finale: 8.

Four Tet, “New Energy”

four tet

Annoverato in ogni classifica che si rispetti fra i migliori DJ del XXI secolo, il cantante inglese Kieran Hebden, meglio conosciuto col nome d’arte Four Tet, ritorna sulle scene con il nono album di inediti. Il titolo è evocativo dello scopo di Hebden: cercare sempre di rinnovare il proprio sound e, contemporaneamente, mantenere le caratteristiche che lo hanno reso tanto amato. Negli ultimi anni, lo abbiamo visto collaborare con svariati artisti, fra cui Rihanna, Thom Yorke e Burial. Sono lontani i tempi dove la sua riservatezza era maniacale e la presenza sui social inesistente: adesso Four Tet ci tiene a far sapere tutto sui nuovi progetti intrapresi e sulle collaborazioni effettuate.

Il CD recupera alcune sonorità già sentite nella lunga carriera di Hebden, in particolare dal bellissimo “Rounds” (2003) che lo ha fatto conoscere al grande pubblico. Sono poi presenti influenze di The Field e Caribou, che rendono la tavolozza sonora di Four Tet colorata come non mai. Abbiamo infatti un gradevole intreccio di ambient, dance e IDM, che rendono “New Energy” un’altra ottima aggiunta ad una discografia già ingombrante.

Fra i brani migliori, abbiamo la ipnotica Lush; l’affascinante Two Thousand And Seventeen, che può essere messa fra i migliori brani elettronici dell’anno; la dolce You Are Loved; e SW9 9SL, che ricorda il Caribou più danzereccio. Meno belle Alap e Tremper, ma ciò è dovuto sia all’eccessiva brevità (per esempio le due tracce citate durano meno di due minuti) che, forse, alla volontà di Hebden di rendere il disco uniforme e coerente come sonorità, a discapito della varietà (Memories).

In conclusione, se non si tratta del suo miglior LP, poco ci manca: Four Tet conferma ancora una volta il suo grande talento e ci dona uno dei più riusciti dischi di musica elettronica dell’anno. Il piano soffuso di Daughter e la conclusiva Planet valgono da sole un ascolto.

Voto finale: 8.

Protomartyr, “Relatives In Descent”

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Il quarto album dei Protomartyr conferma le qualità e i difetti della band capitanata da Joe Casey: da un lato, la base ritmica della band è, come sempre, solida; dall’altro, la verbosità del frontman può, nei casi peggiori, apparire fin troppo noiosa per una band punk. Non per niente, la band non ha ancora trovato la definitiva consacrazione, malgrado una produzione di buon livello.

La caratteristica peculiare di “Relatives In Descent” è che la band lascia da parte i problemi di Detroit, loro città natale, per concentrarsi su quello che accade nel mondo, a partire dall’elezione di Donald Trump. I testi, dunque, si fanno molto più accessibili per chi non è originario di Detroit: un bene per il gruppo. Le melodie sono, al solito, molto cupe, tanto da ricordare i Joy Division e gli Interpol più pessimisti. In generale, non si può dire che i Protmartyr cambino molto il loro sound in questo quarto disco: troviamo, come già detto, testi più globali e anche una produzione più curata, ma nessuno stravolgimento. Insomma, i fan duri e puri saranno felici; quelli che avrebbero gradito una formula più sperimentale probabilmente no.

I brani migliori sono Here Is The Thing, che ricorda i Preoccupations; e The Chuckler, con tanto di archi che fanno irruzione nel bel mezzo della canzone. Invece, l’apertura di A Private Understanding è un po’ troppo confusa, così come non riuscitissima è My Children. In generale, dunque, poteva andare meglio: “Relatives In Descent” non è un cattivo CD, sia chiaro, anzi probabilmente entrerà nella classifica dei migliori 50 migliori album del 2017 di A-Rock; però, allo stesso tempo, non mantiene le alte aspettative che molti di noi avevano riposto nel gruppo. Sarà per la prossima.

Voto finale: 7,5.

Liam Gallagher, “As You Were”

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Lo avevamo inserito al primo posto nella lista dei CD più attesi del 2017: il primo sforzo solista del più giovane e scapestrato dei fratelli Gallagher. Dopo la non felicissima esperienza con i Beady Eye, aveva giurato che non avrebbe mai fatto un album solista, considerata roba da checche (parole sue, non mie). Invece, ha infranto il suo voto e ha realizzato questo “As You Were”: accantonati gli insulti al fratello e ad altri artisti (fra cui A$AP Rocky, U2 e Coldplay), Liam sembra una persona più matura; e questo non farà altro che bene alla sua vita e, probabilmente, alla sua carriera.

I singoli scelti per promuovere il CD erano sembrati molto interessanti: Wall Of Glass è un ottimo brano britpop, che ricorda molto gli Oasis dei primi tre LP; Chinatown e For What It’s Worth sono più intime ma non meno efficaci. Tutto stava a valutare le altre nove canzoni in scaletta. Beh, il nostro non ha deluso le attese: non parliamo di un disco capace di rinverdire i fasti di “Definitely Maybe” (1994) o “(What’s The Story) Morning Glory?” (1995), però Liam dimostra a tutti che il talento negli Oasis non era solo appannaggio di Noel e fa meglio dei due album prodotti con i Beady Eye, “Different Gear, Steel Speeding” (2011) e “BE” (2013). Peccato che “As You Were” perda efficacia nella sua parte centrale e finale, altrimenti il voto finale sarebbe anche potuto essere migliore. La chiusura con la potente I’ve All I Need riscatta tutto.

Tra i pezzi migliori, abbiamo la già citata Wall Of Glass; belle anche Bold e Greedy Soul. Convincono meno le ballate, fin troppo dolci e smielate: tranne la riuscita Universal Gleam, per esempio, Paper Crown e When I’m In Need sono i punti deboli del CD. In generale, fa piacere tornare agli anni ’90, con la energia e irriverenza che ci aspetteremmo da un Gallagher ma contemporaneamente una maturità prima lontana da Liam. Fanno riflettere i testi di For What It’s Worth, dove si scusa con tutti coloro che ha offeso; e di Chinatown, dedicata alle vittime dell’attentato terroristico di Londra.

In conclusione, questo album stupirà molti: chi pensava che sarebbe venuto fuori un fiasco assoluto e chi pensava il talento fosse solo nelle mani di Noel capirà che, senza la voce e il carisma di Liam, la favola degli Oasis non sarebbe mai stata possibile.

Voto finale: 7.

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Rising: Moses Sumney & Jlin

Nella nuova puntata della nostra serie sui cantanti emergenti del panorama musicale internazionale, ci occupiamo di Moses Sumney e Jlin: due voci che vogliono cambiare il panorama di R&B e musica elettronica, con coraggio e talento, le cui carriere sembrano promettere molto bene.

Moses Sumney, “Aromanticism”

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L’esordio del giovane cantante afroamericano Moses Sumney, “Aromanticism”, esprime già nel titolo molti dei temi trattati. Lui dichiara di essere una persona a-romantica, cioè incapace di provare sentimenti per le altre persone, uomini o donne che siano. I testi sono infatti venati di malinconia e tristezza a causa di questa sua caratteristica, che gli impedisce di legarsi agli altri esseri umani. Tuttavia, ciò gli consente di avere uno sguardo distaccato sulla realtà ed estrapolarne così alcuni dettagli sempre interessanti. Oltre a questo, le canzoni in questo suo esordio sono in genere riuscite e la sua voce, un mix tra Prince e Thom Yorke, è sublime.

L’inizio è molto soft: sembra di tornare a “Blonde” di Frank Ocean, con atmosfere ancora più rarefatte e voce ancora più eterea. Già alla quarta canzone, però, l’atmosfera dei primi brani scompare: Quarrel è un capolavoro fatto e finito, con coda strumentale da brividi. Allo stesso modo, Lonely World ricorda il Prince anni ’80 con la sua vocina acuta e la chitarra in primo piano, poi sboccia in un pezzo rock clamoroso. Anche la seconda parte ha gemme notevoli, per esempio la romantica Doomed, che ricorda molto Frank Ocean. Deludono leggermente Stoicism e Don’t Bother Calling, ma il voto al CD resta positivo.

In generale, il soul/R&B sembra aver trovato un’altra, grandissima voce: per certi versi, questo disco ricorda “Malibu” di Anderson .Paak del 2016, solo più raffinato e meno movimentato. “Aromanticism” è, pertanto, certamente da annoverare fra i migliori esordi musicali di musica nera degli ultimi anni.

Voto finale: 8.

Jlin, “Black Origami”

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La cantante americana Jlin si conferma una delle maggiori esponenti del footwork. Di cosa parliamo esattamente quando ci riferiamo al footwork? Esso è un movimento appartenente alla musica elettronica, che punta molto sulla ritmica delle canzoni, sacrificando le atmosfere più sognanti o ambient e aumentando il peso specifico assegnato a percussioni e tamburi. Tra i maggiori esponenti abbiamo DJ Rashad e, appunto, Jlin. Questo “Black Origami”, suo secondo album dopo “Dark Energy” del 2015, può essere considerato un concentrato delle caratteristiche del footwork.

I testi sono pressoché incomprensibili, ma del resto non è questo lo scopo della giovane Jlin: apprezzabile è invece la sezione ritmica del CD, mai banale e spesso davvero trascinante. Sia chiaro: non parliamo di canzoni ballabili o orecchiabili, l’album è anzi coerente nella sua densità e non facilità di ascolto. Abbiamo brani più “semplici”, come la title track, ma anche altri puramente “percussionisti”, come Kyanite.

Tra i brani migliori abbiamo la già ricordata Black Origami, la brevissima Calcination e Never Created, Never Destroyed. Debole invece 1%. In generale, tuttavia, per chi vuol farsi un’idea più chiara del concetto di footwork e delle sue principali caratteristiche, questo lavoro è fortemente consigliato. Potrà non piacere, ma stiamo parlando di una delle correnti più innovative della scena elettronica mondiale.

Voto finale: 7,5.

Recap: settembre 2017

Settembre è di solito un mese intenso per la musica: il 2017 conferma questa tendenza, con ritorni attesi e band letteralmente risorte. Parliamo infatti dei nuovi lavori di Neil Young, LCD Soundsystem, Horrors, Killers e The National: cinque artisti di cui davvero sentivamo la mancanza. E che, cosa ancora più importante, non hanno deluso le aspettative. Ma andiamo con ordine.

LCD Soundsystem, “American Dream”

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Ma siamo nel 2017? La domanda sembra mal posta, visto che siamo ormai nella parte finale dell’anno. Tuttavia, ha un (minimo) senso: gli LCD Soundsystem si erano sciolti nell’ormai lontano 2011, con un concerto finale avvenuto al Madison Square Garden, riempito fino all’ultimo posto, con più di tre ore di musica e ospiti di spessore (come gli amici Arcade Fire). L’ultimo LP di inediti è del 2010, quel “This Is Happening” che li aveva tanto fatti amare anche da un pubblico più ampio: la hit I Can Change era addirittura finita sul videogioco FIFA11! Insomma, sembrava scritto che la band acquistasse sempre più visibilità, invece James Murphy e compagni avevano deciso di chiudere baracca e burattini. Una mossa apparentemente folle, in realtà coraggiosa e coerente con il loro percorso artistico: in You Wanted A Hit, non a caso, se la prendevano con la loro casa discografica che aveva quasi imposto loro di scrivere una hit radiofonica, altrimenti il contratto sarebbe terminato.

Ciò non significa che i membri del gruppo siano rimasti inattivi negli scorsi anni: Murphy si è dato alla produzione e a collaborazioni eccellenti (Arcade Fire, David Bowie), gli altri membri hanno suonato con band affini (come Al Doyle, che ha collaborato con gli Hot Chip) oppure si sono dati a DJ sessions. Poi, nel 2016, l’annuncio shock, tanto atteso dai fans del gruppo: gli LCD tornavano insieme. Da qui in poi è storia: i loro concerti erano sempre attesissimi e i membri cercavano di ritrovare l’antica chimica, fra hit intramontabili come All My Friends e Losing My Edge e nuovi brani.

Ancora più significativa fu la notizia che la band stava registrando un nuovo disco: “American Dream”, questo il titolo, sarebbe uscito il 1° settembre. L’attesa era altissima: si sarebbero ripetuti su eccellenti livelli oppure il tutto era solo un’operazione per fare soldi? Conoscendo Murphy, la seconda alternativa sembrava improbabile; fatto confermato dal CD, che entra a pieno diritto fra i migliori del 2017 e merita un posto di rilievo nella discografia degli LCD Soundsystem.

L’inizio di Oh Baby è lentissimo, ma poi la canzone sboccia e diventa irresistibile: sì, gli LCD sono tornati al top della condizione. Poi abbiamo due canzoni destinati ai fan duri e puri del gruppo, che ricordano le atmosfere di “Sound Of Silver” (2007), ma convincono meno: sono rispettivamente Other Voices e I Used To. La carichissima Change Yr Mind sarà ottima live, ma su disco è solo passabile; la meraviglia arriva con la lunga How Do You Sleep?, highlight del disco e molto polemica: Murphy canta contro un suo ex partner di lavoro, Tim Goldsworthy, che lo ha insultato ultimamente e ha intentato causa contro Murphy per una presunta truffa da lui subita. Il tono del brano, non a caso, è molto cupo; la canzone è però ottima e trascinante.

La seconda parte del disco è più rock della prima, probabilmente anche più oscura e disincantata: è qui che liricamente gli LCD danno il meglio. La title track si prende gioco del cosiddetto “sogno americano” e ne proclama la fine; Black Screen, la lunghissima suite finale, è dedicata a Bowie, artista di cui Murphy era fan sin da bambino. Sono tre le tracce da evidenziare, non a caso lanciate come singoli per promuovere il CD: Tonite ricorda molto One Touch ed è la traccia più dance del disco; Call The Police è una cavalcata punk davvero epica, mentre la già citata American Dream è una ballata indimenticabile.

In poche parole, non è l’album migliore della produzione degli LCD Soundsystem (“Sound Of Silver” è inarrivabile), nondimeno questo “American Dream” era un CD davvero necessario per completare l’eredità artistica del gruppo: se stavolta gli LCD decideranno davvero di chiuderla qui, non era pronosticabile un disco di addio così potente e riuscito, sia liricamente che musicalmente.

Voto finale: 8,5.

The National, “Sleep Well Beast”

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Il settimo album dei The National, uno dei gruppi indie rock più famosi e apprezzati della scena americana, è anche il loro lavoro più intimo e cupo: le sonorità del CD sono molto raccolte, con il piano che ha un’importanza maggiore rispetto ai precedenti lavori del gruppo, anche di LP più maturi come gli eccellenti “High Violet” (2010) e “Trouble Will Find Me” (2013).

Il tutto è già evidente dalla prima traccia: Nobody Else Will Be There ricorda i Radiohead per la tristezza che emana, con un Matt Berninger protagonista con la sua voce bella e profonda. La seconda canzone, Day I Die, è forse la miglior del disco e mette invece ancora una volta in evidenza la base ritmica dei The National, con i fratelli Dessner al top della condizione: la chitarra di Bryce regala rasoiate bellissime, ma anche il basso si fa sentire. Stiamo parlando di uno fra i migliori pezzi indie rock dell’anno: pensare che sia stato scritto da una band con quasi venti anni di carriera alle spalle è impressionante.

I pezzi più rock si confermano i migliori del lotto: sono ottime anche The System Only Dreams In Total Darkness e Turtleneck, a buon diritto fra tra gli highlights del disco. Del resto, però, i The National sono famosi per aver imparato a fondere, nel corso della loro splendida carriera, rock e melodia: così anche pezzi con pianoforte preponderante come la già citata Nobody Else Will Be There o la title track conquistano man mano che se ne scoprono i dettagli.

Peccato per pezzi meno belli, che sembrano compiuti solo a metà: forse i numerosi progetti solisti intrapresi dai membri del gruppo negli ultimi anni hanno influito. Ne sono esempi Born To Beg e I Still Destroy You, strano esperimento elettronico che poi evolve in una canzone rock un po’ frenetica. Migliore invece la ipnotica Guilty Party. In generale, però, sebbene non siamo dalle parti dei capolavori (sì, al plurale) della band, come “Alligator” o “High Violet”, questo “Sleep Well Beast” non sfigura nella discografia dei The National, che anzi si confermano band imprescindibile per gli amanti del rock, dall’indie a quello più raffinato.

Voto finale: 8.

The Horrors, “V”

The horrors

Dopo quattro album sempre più arditi, gli Horrors sono tornati: con “V” il gruppo inglese stupisce ancora una volta il proprio pubblico, cimentandosi con l’acid rock e il synth rock tipici rispettivamente degli U2 in “Achtung Baby” e dei Depeche Mode. Ma possiamo citare anche le influenze di Primal Scream e Cure come fondamentali. Insomma, Badwan e compagni non tradiscono le aspettative, ancora una volta: possiamo dire senza tema di smentita che gli Horrors sono fra le cinque-sei band rock più significative al momento, la loro capacità di reinventarsi ad ogni CD ne è la dimostrazione.

Tre anni dopo il pregevole “Luminous”, gli Horrors piazzano come sempre i migliori brani nella prima parte del disco, per poi virare verso lidi più sperimentali nella seconda. La prima canzone della tracklist, Hologram, presenta sintetizzatori e basso in prima linea, con la bella voce di Faris Badwan ad amalgamare il tutto: già un primo assaggio della svolta presente in “V” è proposta qua. La successiva Press Enter To Exit, accanto ad una critica della moderna società digitale, ricorda molto il rock acido dei Primal Scream e degli U2 dei primi anni ’90 del secolo scorso. La fantastica triade iniziale è completata dal primo singolo estratto dal disco, quella Machine quasi industrial che ricorda molto i Nine Inch Nails.

Insomma, gli ingredienti del CD sono già presenti nei primi tre brani della scaletta. A completare la tavolozza sonora sono alcune ballate, sulla falsariga di quella Change Your Mind che, in “Luminous”, aveva fatto storcere il naso ai fans duri e puri del gruppo, ma che tuttavia era ben riuscita e aggiungeva un tocco romantico agli Horrors prima sconosciuto. Tra le migliori in “V” abbiamo Ghost e Gathering. Belle anche World Below e la sperimentale Weighed Down. Meno riuscita It’s A Good Life, ma è un peccato veniale in un LP ottimo.

In generale, quindi, “V” non raggiunge le vette compositive di “Primary Colours” (2009) e “Skying” (2011), nondimeno aggiunge un altro capitolo molto interessante alla discografia degli Horrors, sempre più a buon diritto inseribili fra i gruppi di musica alternativa più significativi del nuovo millennio.

Voto finale: 8.

The Killers, “Wonderful Wonderful”

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Dopo ben cinque anni di assenza, un album solista del frontman Brandon Flowers (il gradevole “The Desired Effect” del 2015) e molte voci sul futuro incerto della band, i Killers sono tornati. Migliorare un album debole come “Battle Born” è difficile e facile allo stesso tempo: fare meglio non sarà stato complicato, ma tornare ai fasti dei primi due CD, “Hot Fuss” (2004) e “Sam’s Town” (2006), sembrava impossibile. Questo “Wonderful Wonderful”, al di là del titolo baldanzoso, non replica la bellezza dei due album appena citati, tuttavia regala nei suoi momenti migliori alcune melodie davvero notevoli.

L’inizio, con la title track, è incerto, ma già con The Man, primo singolo utilizzato per promuovere il disco, le cose migliorano: una melodia quasi R&B, ballabile e con testo non banale, dati i riferimenti a sessualità e mascolinità esibita presenti. La vera meraviglia arriva però con Run For Cover, la miglior traccia a firma Killers dai tempi di Human (2008): ritmo potente, chitarra di Dave Keuning in grande evidenza e voce di Flowers al top della condizione. Tra le curiosità, contiamo una traccia prodotta da Brian Eno (la non indimenticabile Some Kind Of Love) e una produzione ancora più curata e “barocca” del solito, con Paul Epworth: segno della rinnovata ambizione del complesso americano e del desiderio di non deludere nuovamente i fans.

In generale, abbandonati i riferimenti a Bruce Springsteen presenti nello sfortunato “Battle Born”, i Killers sono tornati a suonare quello che sanno fare meglio: far ballare il pubblico con canzoni sospese a metà fra rock e pop, chiari rimandi agli anni ’80 (Queen in particolare), con un frontman carismatico e dotato di una voce magnifica come Brandon Flowers a comandare le operazioni. Niente di radicalmente innovativo, insomma; ma per un gruppo che suona insieme da sedici anni e da almeno dieci gode di grandissimo successo (basti ricordare le ormai classiche Mr. Brightside e Somebody Told Me), può bastare.

Voto finale: 7.

Neil Young, “Hitchhiker”

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L’album perduto di Neil Young: ecco la miglior definizione per un CD dal sapore quasi mitico come “Hitchhiker”. Registrato durante una notte trascorsa agli Indigo Ranch Studios nel 1976, questo album era visto da molti fan dell’artista canadese come un qualcosa di leggendario, quell’album che Neil Young non aveva mai portato alla luce. Tuttavia, va detto otto delle dieci canzoni dell’album erano già apparse nella sterminata discografia di Young: le uniche due completamente inedite sono Hawaii e Give Me Strength. Tuttavia, risentire pezzi celeberrimi come Pocahontas o Captain Kennedy fa sempre piacere, soprattutto in versioni così semplici e spontanee, che rendono il CD davvero gradevole, sebbene non ci dica nulla di nuovo sul talento dell’artista Young: sono più interessanti le rivelazioni sull’uomo Neil.

L’artista canadese, infatti, scrive delle liriche davvero bizzarre, con riferimenti sparsi a Marlon Brando, Pocahontas, Kennedy e Nixon, senza però perdere il suo caratteristico pessimismo sul mondo e la politica. Musicalmente, il disco presenta un Neil Young in buona forma, con chiari riferimenti al country e al folk: da evidenziare in particolare, come già ricordato, le prime versioni di Pocahontas e Captain Kennedy, ma è bella anche la title track. Non particolarmente memorabili invece Human Highway e Old Country Waltz, ma non intaccano eccessivamente il giudizio su “Hitchhiker”.

In conclusione, non parliamo certamente del capolavoro della discografia di Neil Young: per questo titolo lottano “After The Gold Rush” e “Harvest”. Tuttavia, ascoltare canzoni così semplici ma contemporaneamente affascinanti ci fa comprendere come, anche se allucinato da canne, birra e cocaina (questo il menù giornaliero di Young, come da lui stesso dichiarato nel memoir “Special Deluxe”), l’artista canadese sapesse creare comunque qualcosa di significativo.

Voto finale: 7.

Recap: agosto 2017

Dopo mesi frenetici e ricchi di CD interessanti, agosto si è confermato più tranquillo, come già nel 2016 (se eccettuiamo il ritorno di Frank Ocean l’anno passato, proprio di questi tempi). Malgrado ciò, abbiamo comunque da recensire almeno tre lavori molto attesi e che confermano il talento degli artisti che li hanno prodotti: stiamo parlando dei ritorni dei Grizzly Bear, delle Queens Of The Stone Age e di Kesha. Buona lettura!

Queens Of The Stone Age, “Villains”

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Il settimo album della gloriosa band simbolo dell’hard rock anni ’00 era atteso con trepidazione da fans e critica: Josh Homme e compagni avrebbero cambiato ancora una volta la loro ricetta sonora, dopo la rivoluzione pop di “…Like Clockwork” (2013)? I QOTSA sono stati, ancora una volta, molto furbi ed abili: non hanno stravolto la base ritmica trovata quattro anni fa; tuttavia, con poche ma azzeccate innovazioni hanno mantenuto fresco il loro sound, del resto sempre al passo con i tempi.

Partiamo, quindi: “Villains” arriva quattro anni dopo “…Like Clockwork”, album fondamentale nella discografia dei Queens Of The Stone Age; non il loro migliore (inarrivabili in tal senso “Rated R” e “Songs For The Deaf”), tuttavia aveva lasciato intravedere il lato più melodico della band, con canzoni quasi pop come la title track e Kalopsia. La presenza di ospiti di spessore, da Alex Turner a Mark Lanegan, aveva poi arricchito la formula vincente del disco. Pertanto, il metal delle origini è ormai abbandonato: come sarebbe suonato il settimo album di un gruppo così rinnovato musicalmente?

In “Villains” possiamo parlare di funk-rock: le prime due, bellissime tracce del CD, Feet Don’t Fail Me e il singolo The Way We Used To Do, sono la grande intro al disco. Le sole 9 canzoni farebbero pensare ad un lavoro pigro del gruppo; in realtà, molte superano i 5 minuti di durata e le strutture delle melodie sono spesso complesse e intricate. La durata complessiva, non a caso, raggiunge i 48 minuti.

Gli highlights sono almeno quattro: oltre alle già citate Feet Don’t Fail Me e The Way We Used To Do, abbiamo il secondo singolo The Evil Has Landed e la più melodica Fortress. Meno bella la frenetica Head Like A Haunted House, che è anche la più breve traccia del CD. Non trascurabile, infine, la conclusiva Villains Of Circumstance. I testi fanno spesso riferimento al diavolo e alla sua presenza nel mondo: Homme e co. si rendono conto che viviamo in tempi difficili e, sebbene non stiamo parlando di Bob Dylan o Leonard Cohen, i testi riflettono ciò con ironia e arguzia.

In conclusione, i QOTSA si confermano band fondamentale dello scenario rock mondiale: nonostante la mancanza di collaborazioni eccellenti che avevano contraddistinto i precedenti LP del complesso statunitense, i risultati sono comunque molto buoni. Lavorare con Iggy Pop ha ampliato ancora di più gli orizzonti musicali di Josh Homme, che si conferma grande artista rock. Le “regine dell’età della pietra” sono entrate definitivamente nell’età moderna, con un hard rock funkeggiante e molto ballabile.

Voto finale: 8.

Grizzly Bear, “Painted Ruins”

grizzly bear

I Grizzly Bear venivano da due album di grande successo, sia con la critica che con il pubblico: “Veckatimest” (2009) e “Shields” (2012) avevano delineato un genere a metà fra rock e folk, con accenni di sperimentalismo e, contemporaneamente, al pop (ricordate Two Weeks?). Insomma, le aspettative per “Painted Ruins” erano molto elevate: ripetersi avrebbe rischiato di non replicare la cristallina bellezza dei due lavori che hanno dato il successo alla band, ma anche cambiare avrebbe comportato rischi notevoli.

I Grizzly Bear hanno optato per una soluzione di compromesso: nella lunga assenza dalle scene (ben cinque anni), hanno affinato il loro caratteristico genere e, allo stesso tempo, inserito delle interessanti sonorità elettroniche, che rendono il nuovo LP molto intrigante. Possiamo anzi dire che “Painted Ruins” è il CD più elettronico a firma Grizzly Bear; prova ne siano i due singoli Mourning Sound e Three Rings, tra i migliori brani del disco.

Tuttavia, la seconda parte del lavoro riporta alla mente i passati sforzi creativi del gruppo: per esempio, il rock di Cut-Out ricorda soprattutto “Veckatimest” e “Yellow House”, mentre l’intricata Glass Hillside (non bellissima) è più assimilabile alle atmosfere di “Shields”. Menzione finale per l’ottima chiusura del CD: come sempre, i Grizzly Bear mantengono il meglio alla fine. Sky Took Hold, in effetti, è a pieno diritto tra i migliori pezzi di “Painted Ruins”: una canzone epica al punto giusto, gran finale di un LP gradevole anche se non perfetto.

Purtroppo, infatti, Ed Droste e Daniel Rossen (menti e voci della band), forse anche a causa dello scarso dialogo intercorso nelle sessions di registrazione di “Painted Ruins”, dove si inviavano le loro bozze tramite mail, non raggiungono i miracolosi risultati di “Shields”: a parte la già menzionata Glass Hillside, non convince pienamente neppure Systole, ma sono peccati veniali.

Non bisogna credere, infatti, che il CD sia un fiasco; anzi, “Painted Ruins” entra di diritto fra i migliori CD dell’anno, magari non nei primi 10, ma certamente nei primi 50. Non siamo ai livelli di “Shields”, vero capolavoro del gruppo, ma certamente “Yellow House” è alla portata di “Painted Ruins”. Tutto dipende da cosa ci aspettavamo dai Grizzly Bear: non sono mai stati fermi nelle loro posizioni, quindi aspettarsi una copia dei passati dischi sarebbe stato un’illusione. Un po’ di elettronica non ha fatto altro che bene alla band: vedremo dove li porterà questo nuovo percorso, ma abbiamo piena fiducia nelle capacità dei Grizzly Bear di reinventarsi costantemente senza perdere lo smalto e il gusto per la sperimentazione che li hanno sempre contraddistinti.

Voto finale: 8.

Kesha, “Rainbow”

kesha

Kesha Sebert è tornata a comporre musica, dopo cinque anni di assenza dalle scene. Sembrerebbe la più classica delle pause di riflessione da parte di un’artista in cerca di una svolta nella sua carriera: dopotutto, non è quello che hanno fatto anche i Grizzly Bear? Tuttavia, la storia di Kesha, un tempo stellina pop e adesso artista a tutto tondo, è tragica.

La cantante, infatti, nel 2016 ha sporto denuncia contro il suo mentore, quel Dr. Luke che ha aiutato a delineare la scena pop di inizio millennio, plasmando i due grandi successi di Kesha: Tik Tok e Die Young. Le accuse sono molto pesanti: violenza psicologica e abusi sessuali ripetuti sulla povera Kesha. È chiaro che tutti si aspettavano che Kesha, nel suo nuovo CD, avrebbe affrontato a piene mani queste delicate questioni, magari con un deciso cambio di stile. Ebbene, il ragionamento è giusto solo a metà.

In particolare, possiamo dire che mai prima d’ora Kesha era suonata così rock; la collaborazione con le Eagles Of Death Metal (sì, proprio quelli del Bataclan) certamente aiuta, così come avere una madre celebre (la cantante country Pebe Sebert). Ne sono prova le due tracce iniziali, la bella Bastards e Let ‘Em Talk (titoli eloquenti, vero?), la prima più country, la seconda a metà fra Paramore e Pink. Liricamente, come già i titoli accennano, si trattano temi come l’effetto del successo, la violenza maschile e l’autenticità artistica: cose molto vicine alla vera vita di Kesha, tanto che “Rainbow” può essere quasi visto come un concept album circa gli ultimi due anni della vita dell’artista.

Fa piacere però sentire che Kesha ride spesso durante i 48 minuti del disco, spesso a metà della canzone (come nella riuscita Woman); forse il peggio è alle spalle per la bionda cantante. Le tracce migliori del disco, oltre Woman, sono Bastards e la trascinante Hymn. Curiose le influenze presenti: da Lorde a Adele, passando per Neil Young (!), Kesha crea un caleidoscopio sonoro molto vario, forse troppo.

Un altro problema è che la disposizione dei brani rende il CD piuttosto sbilanciato: quasi tutte le più belle sono nella prima parte. In particolare, la parte centrale è deludente e fa temere il peggio; nel finale però Kesha torna a graffiare, con la non trascurabile Spaceship a costituire un ideale rimando all’intro di Bastards, visto che sono i due pezzi più country dell’album.

In generale, possiamo dire che questo LP avrebbe avuto un gradimento ancora maggiore se fosse stato costituito da meno canzoni e meglio amalgamate fra loro: con 12 tracce e 40 minuti di durata avremmo avuto un mezzo capolavoro. Ciononostante, va premiata la voglia di Kesha di staccarsi da un passato ingombrante e dal pop che l’aveva resa famosa: sono proprio le tracce più simili alla Kesha di “Animal” (2010) a deludere di più, per esempio Learn To Let Go e Boots. Sarà un caso?

“Rainbow” rappresenta dunque un’interessante passo avanti nella discografia di Kesha, che ci spinge a chiederci: avrà già raggiunto il picco delle sue capacità oppure l’esplorazione di rock e country porterà frutti ancora migliori?

Voto finale: 7,5.

 

Recap: luglio 2017

Estate, tempo di mare e tormentoni. Tuttavia, anche la musica meno commerciale non si ferma e noi di A-Rock, come sempre nei nostri Recap, offriamo una sintesi delle nuove uscite. Luglio, oltre al nuovo CD degli Arcade Fire, già recensito, ha visto il ritorno di Lana Del Rey, dei Waxahatchee, di Jay-Z, del vulcanico Tyler, The Creator, di Calvin Harris, dei Beach House e dei Broken Social Scene.

Waxahatchee, “Out In The Storm”

waxahatchee

Il quarto CD del progetto Waxahatchee, guidato dalla talentuosa Katie Crutchfield e dalla sorella gemella Allison, è il suo lavoro più riuscito: 10 tracce e 32 minuti di puro indie rock, indirizzato a tutti gli amanti del genere e a coloro che volessero farsene una prima idea: l’indie rock viene spesso evocato a sproposito per artisti che tutto sono meno che indie e la cui qualità artistica è discutibile.

Tutto ciò non vale per Waxahatchee: “Out In The Storm” è un LP bellissimo, con brani riuscitissimi come l’iniziale Never Been Wrong e Silver, che ricordano gli Strokes e gli Arcade Fire di “The Suburbs”; da non sottovalutare anche i pezzi più raccolti del CD, come Recite Remorse e A Little More. Ottime, infine, Brass Beam e No Question, che sarebbero highlights in molti album rock di artisti teoricamente più quotati. In generale, dunque, Crutchfield e compagni arrivano a comporre il coronamento di una carriera in costante crescita: partiti come artisti lo-fi, la produzione e la cura dei dettagli si sono via via affinate, fino ad arrivare a risultati quasi perfetti in questo disco.

Liricamente, il CD è un tipico breakup album, di quelli che gli artisti compongono sempre più di recente: basti pensare a Ryan Adams e Dirty Projectors, solo per restare nel 2017. Karen Crutchfield canta difatti “everyone will hear me complain… everyone will pity my pain”; il verso forse più drammatico è però “I will unravel when no one sees what I see”. Insomma, sorprende l’abilità della Crutchfield di fondere inni spesso trascinanti con tematiche così delicate e tristi per lei.

L’indie, territorio considerato prevalentemente (se non solamente) maschile fino a pochi anni fa, con interpreti come Strokes, Franz Ferdinand e Bloc Party (tutti i componenti di questi gruppi erano uomini, solo recentemente i BP hanno ingaggiato una batterista donna), ha riscoperto ultimamente l’altro sesso, con interpreti giovani e ispirate come Vagabond, Jay Som e Waxahatchee, senza scordarsi Courtney Barnett e Angel Olsen. Una necessaria rinfrescata ad un genere che pareva moribondo, ma che negli ultimi due-tre anni sembra essersi rivitalizzato. E Waxahatchee è un progetto fondamentale per la rinascita dell’indie rock, come testimoniato una volta di più con questo splendido “Out In The Storm”.

Voto finale: 8,5.

Lana Del Rey, “Lust For Life”

lust for life

Il quinto album della popstar Lana Del Rey, “Lust For Life”, si apre subito con una novità: nella cover Lana sorride, lei che fino a qualche tempo fa era presa in giro per i suoi testi tragici e la tristezza che le sue canzoni emanavano. Tuttavia, non si pensi che “Lust For Life” sia un CD allegro: cadremmo in un errore madornale. Lana mantiene il caratteristico spleen, cercando però di ampliare la propria palette sonora e ingaggiando ospiti di tutto rispetto.

Tra i singoli utilizzati per promuovere il disco, infatti, troviamo delle collaborazioni con The Weeknd (la bella title track) e con A$AP Rocky (le meno riuscite Summer Bummer e Groupie Love). Oltre a questi due artisti abbiamo dei featuring anche con il figlio di John Lennon, Sean, Playboi Carti e Stevie Nicks. È da sottolineare come, a parte la title track, queste tracce siano tra le più deboli dell’album: sia le due con A$AP Rocky che Tomorrow Never Came con Sean Lennon Ono (chiaro riferimento alla celeberrima Tomorrow Never Knows dei Beatles) che Beautiful People Beautiful Problems con Stevie Nicks non convincono proprio. Meglio la Lana solista, quindi.

Ne abbiamo la dimostrazione nelle belle Love, Cherry e Get Free, che chiude il disco quasi con accenni di dream pop. Una caratteristica di “Lust For Life”, infatti, è che Lana amplia notevolmente il numero di generi affrontati: dal pop dolente all’R&B, fino al country e appunto al dream pop. Tutto questo fa molto ben sperare per il futuro della carriera della signorina Elizabeth Woolridge Grant, vero nome di Lana: se saprà fondere adeguatamente tutti questi ingredienti, il prossimo lavoro potrebbe davvero ridefinire la musica pop, un po’ quello che Lorde ha fatto quest’anno con l’eccellente “Melodrama”.

Menzione finale per la bella voce di Lana, asset fondamentale della popstar, sfruttata a dovere lungo tutto il CD e specialmente in Heroin e God Bless America – And All The Beautiful Women In It, non a caso fra le migliori canzoni di “Lust For Life”. È una voce che sa trasmettere sofferenza e sogno, che si sposa benissimo con il pop raffinato e melanconico di Lana. La collaborazione con Abel Tesfaye aka The Weeknd è un’altra prova di tutto ciò.

In conclusione, “Lust For Life” è il più bel CD nella carriera di Lana Del Rey: un’artista costantemente cresciuta, sia artisticamente che come seguito popolare. Peccato che “Lust For Life” sia composto da 16 canzoni per 72 minuti di durata: con due-tre canzoni e dieci minuti di riempitivo in meno avremmo avuto un mezzo capolavoro. Così il disco è “solamente” buono, ma il talento di Lana ci fa ben sperare per il prossimo futuro.

Voto finale: 8.

Broken Social Scene, “Hug Of Thunder”

Hug-Of-Thunder

Dopo 7 anni, il ritorno dei canadesi Broken Social Scene rappresenta un ottimo momento per tornare ad ascoltare musica inedita da parte di uno dei gruppi indie rock più amati degli ultimi 15 anni. Il quinto album del collettivo canadese è un distillato di tutte le loro migliori qualità: forte base ritmica, voci soffuse, atmosfere quasi shoegaze.

Il ritorno di Leslie Feist segna il ritorno di uno dei membri di maggior successo al di fuori del gruppo e, contemporaneamente, un’iniezione di adrenalina pura nel sound della band: prova ne sia Halfway Home, il primo singolo utilizzato per promuovere il CD. Tutto gira bene, specialmente nella prima parte dell’album, con brani potenti e riusciti come la già citata Halfway Home, la vibrante Protest Song e la magnifica Vanity Pail Kids.

La seconda parte del disco è più raccolta ed intimista, facendoci scoprire il lato più pop dei Broken Social Scene: i migliori pezzi sono Towers And Masons e Please Take Me With You. Un po’ monotona invece Gonna Get Better. Questo passo falso viene però subito compensato dall’epica canzone finale, Mouth Guards Of The Apocalypse, che chiude degnamente un ottimo CD.

In conclusione, la band canadese non introduce radicali cambiamenti nel sound che ne ha fatto la fortuna in passato, come era facile aspettarsi. Tuttavia, “Hug Of Thunder” segna il ritorno di un altro amatissimo gruppo della scena indie rock, in un anno trionfale per gli amanti del genere: Spoon, Phoenix, Arcade Fire e Broken Social Scene sono tornati con lavori molto interessanti e degni delle pesanti eredità che i rispettivi gruppi possiedono. Tutto aspettando LCD Soundsystem e, forse, Arctic Monkeys… Bentornati, Broken Social Scene.

Voto finale: 8.

Jay-Z, “4:44”

jay z

“4:44” non è il miglior CD di Shawn Carter, meglio noto come Jay-Z, marito di Beyoncé, produttore apprezzato e quasi miliardario. Il momento più brillante nella carriera di Jay-Z è coinciso infatti con “Reasonable Doubt” e il classico “The Blueprint”. Tuttavia, per la prima volta i testi di Jay-Z sono profondamente personali, concentrati su temi come il tradimento, la famiglia, il lascito artistico… Insomma, possiamo considerarlo la risposta a quel “Lemonade” della moglie Beyoncé, in cui lei denunciava i tradimenti del marito? Non del tutto.

Se infatti è vero che Jay-Z parla apertamente di tutto ciò nella title track e in Family Feud, è anche vero che i temi affrontati sono vari, come già accennato in precedenza. Musicalmente, il CD riporta alla mente il rap abbastanza classico dei primi dischi di mister Carter: molto bella Smile (con un intervento della madre Gloria Carter in cui lei confessa la propria omosessualità) e interessanti le due tracce iniziali, Kill Jay-Z e The Story Of O.J.; i temi trattati sono facilmente intuibili dai titoli. Peccato che il CD perda mordente nella parte finale, dove i pezzi si fanno più noiosi: ne sono esempio 4:44 e Family Feud.

In generale, tuttavia, “4:44” è un convincente ritorno alla musica cantata per Jay-Z: considerato che i suoi ultimi lavori solisti avevano deluso critica e pubblico, questo è già un ottimo risultato. “4:44” è il CD perfetto per gli amanti dell’hip hop classico, 10 tracce dirette e complessivamente gradevoli.

Voto finale: 7,5.

Tyler, The Creator, “Flower Boy”

flower boy

A 26 anni, con già tre album ed un mixtape alle spalle, facendo parte del collettivo rap Odd Future (i cui passati membri includono Frank Ocean ed Earl Sweatshirt, fra gli altri), la carriera musicale di Tyler, The Creator è già ben avviata. Tuttavia, Tyler è famoso non solo per i suoi CD: molte controversie sono nate dai suoi commenti su donne ed omosessuali, che in passato denotavano misoginia e omofobia evidenti. Non una persona amabile, dunque: addirittura, l’Australia lo ha bandito per sempre proprio a causa di queste frasi!

Musicalmente parlando, Tyler ha sempre denotato una creatività vulcanica, con album lunghi e complessi, spesso anche troppo (basti pensare al mediocre “Cherry Bomb” del 2015). I testi erano, come già detto, pieni di riferimenti non carini a gay e donne, ma anche alle sue insicurezze e ansie giovanili. Questo “Flower Boy”, quarto LP della sua produzione, mantiene la bussola sul rap sperimentale e ardito tipico di Tyler, The Creator; tuttavia, liricamente contiene novità importanti, quasi a scusarsi dei suoi passati comportamenti.

Gli ospiti presenti nel disco contribuiscono a renderlo davvero interessante: Frank Ocean, Pharrell Williams, Corinne Bailey Rae, Lil Wayne, A$AP Rocky e Jaden Smith (figlio di Will) non sono nomi banali per la scena black contemporanea. In particolare, si rimane piacevolmente colpiti da pezzi come Where This Flower Blooms, con la preziosa collaborazione di Frank Ocean; le dolci See You Again e Garden Shed; e 911/Mr Lonely, ancora con Frank Ocean. Meno convincenti Who Dat Boy e Pothole, ma il risultato complessivo non ne viene troppo danneggiato.

In conclusione, questo è senza dubbio il miglior album pubblicato a nome Tyler, The Creator: vedremo se sarà un punto di arrivo oppure una nuova partenza per una seconda parte di carriera apprezzata sia dalla critica che dal pubblico e, finalmente, priva di futili polemiche e frasi insultanti per qualsivoglia categoria e classe. Tyler non ne ha bisogno per dimostrare la sua rilevanza nel panorama rap.

Voto finale: 7,5.

Beach House, “B-Sides And Rarities”

BeachHouse_BeachSides

Dopo la doppietta del 2015 di “Depression Cherry” e “Thank Your Lucky Stars”, i Beach House, beniamini del dream pop, si sono legittimamente presi una pausa per promuovere in maniera adeguata i CD e riflettere su come andare avanti nel loro percorso musicale. Quest’uscita, che raccoglie b-sides e rarità del duo, è un utile strumento per ricordare a tutti una cosa: anche nei brani apparentemente meno riusciti, i Beach House suonano immancabilmente come loro stessi.

Cosa intendiamo dire? Se siete fan dei Beach House e del dream pop, saprete che spesso ci troviamo di fronte a brani ballabili, ma lenti; eterei, ma mai inutilmente virtuosi. Ebbene, i Beach House sono la quintessenza del dream pop, non a caso sono fra i più amati gruppi di questo particolare genere musicale. Prova ne sia il successo di critica e pubblico dei loro due album migliori, gli splendidi “Teen Dream” del 2010 e “Bloom” del 2012.

Anche “B-Sides And Rarities”, come già accennato, suona come un disco tipicamente Beach House: prova ne sia la bella Chariot, ancora inedita prima dell’uscita di questo CD. Bello anche scoprire l’evoluzione di molti fra i brani più amati del gruppo: ad esempio, Norway e Used To Be ci vengono presentate nella loro prima versione, molto più scarna e meno trascinante di quanto avremmo poi trovato nei dischi del gruppo. Addirittura, Rain In Numbers era una traccia nascosta all’interno dell’esordio discografico dei Beach House e Wherever You Go lo era in “Bloom”!

Insomma, non un LP perfetto, come era facile aspettarsi, ma senza dubbio un’uscita apprezzabile per tutti i fans della band e del dream pop, o anche semplicemente per coloro che stanno scoprendo solo oggi i Beach House.

Voto finale: 7.

Calvin Harris, “Funk Wav Bounces Vol.1”

calvin harris

Il quinto album del famoso DJ Calvin Harris è un trionfo per gli amanti della dance da spiaggia e dell’elettronica mainstream: con un parco ospiti sterminato e ritmi accattivanti, Harris riesce a comporre il suo CD più ambizioso e riuscito. Oltre all’elettronica, infatti, troviamo abbondanti tracce di hip hop e funk: un cocktail di generi davvero esplosivo.

Parlando degli ospiti presenti in “Funk Wav Bounces Vol.1”, abbiamo alcuni fra i nomi più importanti del panorama musicale contemporaneo: Frank Ocean, Migos, Ariana Grande, Katy Perry, Nicky Minaj, Snoop Dogg, Pharrell Williams, John Legend, Young Thug, Future e Travis Scott, solo per ricordare i più conosciuti. Non si deve però pensare che siano solo buoni per far parlare del disco, senza un’effettiva rilevanza per il risultato finale; per esempio, Frank Ocean rende Slide davvero interessante, ma non vale solo per lui. Ad esempio, Heatstroke senza Pharrell perderebbe moltissimo.

Tra i pezzi migliori abbiamo, oltre alle già menzionate Slide e Heatstroke, anche Feels; deludono invece Rollin e Skrt On Me, troppo commerciali e scontate. Convincente la conclusiva Hard To Love, con linea di basso prepotente e la voce di Jessie Reyez che ricorda vagamente Lorde.

In conclusione, album più estivo di questo, nel 2017, non è dato trovarne: fino a settembre rappresenterà un ottimo passatempo in spiaggia e il weekend a casa, quando la voglia di rilassarsi e divertirsi avranno la meglio.

Voto finale: 7.

Arcade Fire, una svolta azzeccata solo a metà

Arcade Fire

Una foto recente degli Arcade Fire.

Il quinto album degli Arcade Fire, band simbolo della scena indie rock degli anni ’00, autrice di capolavori come “Funeral” (2004), “Neon Bible” (2007) e “The Suburbs” (2010), è il loro album più pop e, allo stesso tempo, il più inconsistente della loro produzione. Infatti, accanto a brani molto riusciti, abbiamo per la prima volta canzoni davvero superflue e, addirittura, pessime: pertanto, il voto complessivo al CD terrà conto di tutto questo.

“Everything Now”, questo il titolo del nuovo LP, si caratterizza come un concept album: un’impresa già tentata (e riuscita) ai tempi di “The Suburbs”, che raccontava l’infanzia non semplice dei membri della band. “Everything Now”, invece, si concentra sul consumismo che caratterizza la nostra epoca e sul desiderio di diventare famosi, anche se solo per qualche ora, dei giovani. Un intento lodevole: non concentrarsi sui propri sentimenti, ma tentare qualche cosa di universalmente valido. Inoltre, non mi vengono in mente molti tentativi di concept album riguardo a temi del genere: un merito in più di Win Butler e compagnia.

Purtroppo, i risultati non sono rose e fiori: la title track e Creature Comfort racchiudono perfettamente il messaggio che la band vuole trasmettere, con ritmica potente e un gusto pop e dance innovativo per gli Arcade Fire, ma contemporaneamente molto intrigante per il pubblico. Si ritrovano infatti chiare influenze di Abba e LCD Soundsystem, fino ad oggi raramente rinvenibili in un disco degli AF. Anche i testi sono decisamente rilevanti: in Everything Now Win canta: ”I want it everything now, I need it everything now, I can’t live without everything now…”, insomma la critica ai giovani d’oggi per volere tutto subito è evidente. In Creature Comfort, la bulimia degli acquisti compulsivi e dei like su Facebook/Instagram/Twitter è messa alla berlina: “On and on I don’t know what I want, on and on I don’t know if I want it…”; e poi “some boys hate themselves, spend their lives resenting their fathers. Some girls hate their bodies, stand in the mirror and wait for the feedback”. Insomma, vista anche la tracklist, eccettuata la trascurabile Signs Of Life, tutto sembra procedure per il meglio.

everything now

La copertina di “Everything Now”.

Peccato che poi compaiano delle tracce davvero evitabili: se Peter Pan vi pare brutta, aspettate e avrete subito dopo Chemistry, senza dubbio la peggior canzone mai composta dagli Arcade Fire. Ecco di cosa parlavamo all’inizio: gli Arcade Fire sono senza dubbio capaci di scrivere pezzi migliori di questi due, perché tediare il proprio pubblico quindi con roba del livello di Peter Pan e Chemistry?

I due brevi intermezzi Infinite Content ed Infinite_Content (no, non scherzo), uno decisamente rock e uno più melodico, ci portano alla seconda parte dell’album: anche qua il discorso si ripete. Abbiamo un buon pezzo in Good God Damn, che ricorda le atmosfere di “Reflektor”; l’interessante Electric Blue cantata dalla sola Régine Chassagne (moglie di Win Butler); ma anche pezzi a mala pena discreti come Put Your Money On Me e We Don’t Deserve Love. Bell’idea, però, quella di chiudere il CD con la ripresa di Everything Now, che era anche prima canzone nella scaletta, a rafforzare l’idea di concept album alla base del disco.

In conclusione, qual è il giudizio complessivo su questo “Everything Now”? Va elogiata l’attitudine degli Arcade Fire verso la musica: evitare di rintanarsi in una nicchia musicale e, anzi, esplorare in ogni nuovo LP una diversa direzione. Siamo passati infatti dall’indie di “Funeral” al rock barocco di “Neon Bible”; dal primo flirt con l’elettronica e la dance di “The Suburbs” ai ritmi caraibici di “Reflektor”. La cosa che più delude, tuttavia, è che gli Arcade Fire abbiano per la prima volta usato del puro filler per arrivare alla durata prescelta, in termini di canzoni e minutaggio, di un CD: come definire altrimenti obbrobri come Peter Pan e Chemistry?

Speriamo che “Everything Now” sia solo un mezzo passo falso in una discografia finora eccezionale: proseguire in questo percorso più pop ed elettronico non sembra la miglior opzione per gli Arcade Fire, vedremo cosa accadrà nella loro prossima avventura.

Voto finale: 7.

Cosa ci eravamo persi?

Anche quest’anno, come il 2016, si è rivelato ricco di importanti uscite: il ritorno dei Gorillaz e dei Fleet Foxes e i nuovi lavori di star come Lorde, Drake e Kendrick Lamar hanno preso molta attenzione nel pubblico e nei media. Noi di A-Rock abbiamo fatto il possibile, ma inevitabilmente qualche CD lo abbiamo lasciato per strada nelle nostre analisi. Ecco quindi un breve riassunto delle uscite più rilevanti degli ultimi mesi che sono comunque degne di un ascolto.

Thundercat, “Drunk”

thundercat

La parabola di Stephen Bruner (meglio conosciuto come Thundercat) è davvero curiosa. Venuto alla ribalta come bassista di grande talento, con collaborazioni del calibro di Kanye West e Flying Lotus, da qualche anno a questa parte ha iniziato a scrivere musica di persona, producendo CD molto interessanti, un mix di funk, jazz e rock. La sua vita ha subito una virata decisiva con la morte dell’amico e collaboratore Austin Peralta nel 2012: da quel momento, il tema della morte e una malinconia a volte opprimente permeano i suoi lavori.

Ne è emblema anche questo “Drunk”, quarto album a nome Thundercat di Bruner. La partenza è quasi serena: un insieme di pezzi velocissimi e nervosi, infusi di funk (Captain Stupido), jazz (Uh Uh) e momenti à la Prince, come in A Fan’s Mail (Tron Suite II). Il mood dell’album si fa però progressivamente più triste, fino a diventare disperato nella parte conclusiva (emblematica DUI).

Menzione finale per le collaborazioni: se Thundercat ha convinto artisti del calibro di Pharrell Williams, Kendrick Lamar e Wiz Khalifa a far parte di “Drunk” un motivo ci sarà. In particolare, la traccia con K-Dot, Walk On By, è molto riuscita; bella anche Show You The Way.

In conclusione, un LP con 23 canzoni, per una durata totale di oltre un’ora, non può essere perfetto; “Drunk”, però, in certi tratti ci va davvero vicino. Tra i migliori CD di musica nera degli ultimi anni.

Voto finale: 8,5.

Vince Staples, “Big Fish Theory”

big fish theory

Il secondo, attesissimo album del rapper Vince Staples lo trova ad un bivio fondamentale nella sua fino ad ora fulminante carriera: mentre nel precedente CD, l’acclamato “Summertime ‘06” (2015) Vince presentava un rap meditativo e più calmo di molti suoi colleghi, già nell’EP dello scorso anno, “Prima Donna”, avevamo intravisto un cambiamento in atto: ritmi più cupi, temi trattati molto difficili (su tutti il suicidio, basta sentirsi la title track).

“Big Fish Theory” fonde fra loro elettronica e hip hop in un modo davvero unico: Staples, infatti, cerca di adattare i beat spesso ossessivi della dance al suo flow, come sempre fluviale e mai banale. I risultati non sono perfetti, ma senza dubbio buoni: spiccano in particolare le grandi collaborazioni, tra cui Damon Albarn e Kendrick Lamar, e i numerosi produttori di grido coinvolti, come Flume e Justin Vernon.

I temi trattati sono, ancora una volta, ancorati alla morte e al suicidio: in più interviste Vince Staples ha confermato di essere stato sconvolto dalla morte di Amy Winehouse e dal trattamento da lei ricevuto dai media mentre era ancora in vita. Non è un caso che il rapper, nella vita quotidiana, mantenga un profilo molto basso, lontano dai paparazzi e dagli eccessi: nessun Kanye West, insomma. L’omaggio ad Amy arriva in Alyssa Interlude, dove viene proposta un’intervista da lei rilasciata nel 2006, perfettamente funzionale al brano e all’intero disco.

Tra le canzoni migliori abbiamo Big Fish, 745 e Yeah Right, la collaborazione con Kendrick: possiamo dire che sono a confronto i due migliori rapper della loro generazione. Tra i difetti del disco abbiamo l’eccessiva brevità (dura appena 36 minuti) e l’eccessiva frammentazione, che non ne rende facile l’ascolto. Tuttavia, i meriti del CD sono molti: in un tweet poi cancellato, Staples aveva proclamato spavaldo che “Big Fish Theory” sarebbe stato un disco futuristico. Beh, non sarà un LP superbo, ma certamente rappresenta un passo da gigante nella discografia di Vince Staples e un’interessante fusione fra elettronica ed hip hop.

Voto finale: 8.

Paramore, “After Laughter”

paramore

Il quarto album dei Paramore è una rinfrescata necessaria al loro sound. La band capitanata da Hayley Williams, infatti, non si limita a percorrere i sentieri pop-rock delle origini, ma cerca di rifarsi al pop anni ’80 tipico di Police e Talking Heads.

“After Laughter” è il quinto album a firma Paramore, il primo dopo l’eponimo “Paramore” del 2013: se precedentemente il gruppo era famoso come alfiere della musica emo, i membri hanno sempre cercato di innovare, aprendo al funk e al pop-rock, sempre però nei sentieri ben precisi della musica emo. Tuttavia, rispetto ai contemporanei (per esempio, Tokyo Hotel e Brand New), i Paramore hanno mantenuto un livello di scrittura e profondità testuale ben maggiore: non solo ansie giovanili, ma anche temi delicati come il suicidio e la solitudine.

“After Laughter” era quindi atteso con trepidazione: Williams & co. avrebbero mantenuto il buon livello dei precedenti lavori? La risposta è un sì convinto: malgrado i numerosi avvicendamenti nella formazione, tra cui l’abbandono del bassista Jeremy Davis e il ritorno del primo batterista Zac Farro, dopo sei anni di pausa, la formula dei Paramore si è arricchita, come già ricordato, di chiari riferimenti al pop anni ’80 e alle band simbolo di quel periodo.

Un’operazione molto simile era stata effettuata dai The 1975 l’anno scorso, con ambizione e rischio ancora più grandi; i Paramore riescono a non cadere nel tranello della troppa voglia di fare e creano un prodotto compatto e godibile, una conferma del loro talento e versatilità.

Tra i brani migliori abbiamo Rose-Colored Boy e Told You So, che rendono la parte iniziale del CD davvero interessante; da ricordare anche Fake Happy, Pool e Grudges, che rievocano da vicino i Police e i Talking Heads al loro apice. Meno riuscite invece le ballate, come Forgiveness e la conclusiva Tell Me How.

In generale, va apprezzata la voglia di sperimentare nuove sonorità di un gruppo che avrebbe potuto tranquillamente continuare a far piangere adolescenti fragili suonando stanche e monotone canzoni emo, ma che invece non perde la voglia di sorprendere il proprio pubblico.

Voto finale: 8.

(Sandy) Alex G, “Rocket”

alex g

Classe 1993, già 8 album alle spalle: se non parliamo di un prodigio, poco ci manca. Alexander Giannascoli, cantante di chiara origine italiana e con nome d’arte Alex G, da poco cambiato in (Sandy) Alex G, ricorda a tutti che la prolificità non è sempre sinonimo di lavori abborracciati: ne sia esempio anche l’instancabile Ty Segall. “Rocket”, tuttavia, è il primo album di Alex con l’etichetta Domino, fra le più importanti in ambito indie rock; e infatti il CD ha avuto maggior risonanza dei precedenti suoi LP.

“Rocket” colpisce soprattutto per la capacità di evocare tempi lontani senza sembrare un plagio di autori più quotati: prendendo spunto da autori come il compianto Elliott Smith e Wilco, con una spruzzata di Pavement, Alex G propone una summa dell’indie anni ’90-’00, colpendo per varietà stilistica e apparente semplicità di scrittura. Niente di clamorosamente innovativo, dunque, ma certo un lavoro molto interessante, da ascoltare per tutti gli amanti di quegli anni a cavallo di due secoli.

Parlando strettamente di musica, abbiamo ottime canzoni, soprattutto nella prima parte: il poker iniziale di canzoni, formato da Poison Root, Proud, County e Bobby, è per esempio molto riuscito, un po’ lo-fi, un po’ country e il restante terzo indie; colpisce poi la violenza quasi hard rock di Brick, mentre la strumentale Horse delude leggermente.

Nella seconda parte abbiamo invece come highlight la dolce Alina, ma anche Powerful Man non è trascurabile. In generale, a parte qualche passo falso, “Rocket” si mantiene su alti livelli, facendo sperare che il mondo dell’indie rock abbia trovato un nuovo, grande interprete in Alexander Giannascoli. L’età e il talento sono dalla sua parte: lo aspettiamo fiduciosi alla prossima prova.

Voto finale: 8.

Spoon, “Hot Thoughts”

spoon

Il nono album dei veterani dell’indie rock statunitense mantiene l’alto livello dei precedenti lavori di Britt Daniel & co., cercando contemporaneamente di instillare nuove sonorità nel tipico genere della band. Infatti, accanto al tradizionale indie rock, che ha fatto le fortune del gruppo anche grazie a stupendi lavori come “Kill The Moonlight” (2002), abbiamo dei passaggi di funk ed elettronica che rendono questo “Hot Thoughts” molto intrigante.

Non sono molte le band che riescono ad operare significativi cambiamenti nel loro sound 24 anni dopo la loro fondazione (gli Spoon sono infatti nati nel 1993) e dopo otto album di successo: la caratteristica peculiare della band texana è che hanno sempre sperimentato nuovi colori e ritmi nel loro sound, basandosi però su una stretta aderenza al mondo del rock. In generale, dunque, non c’è che da essere soddisfatti per un LP così variegato e riuscito: ecco, diciamo che se gli Strokes tornassero ai livelli dei loro primi lavori cercando di mantenere il percorso più sperimentale intrapreso dopo “Angles”, il loro CD suonerebbe così.

Tra i brani degni di nota abbiamo la title track, WhisperI’lllistentohearit e la super funk First Caress. Molto strana la quasi solo strumentale Pink Up, molto lunga ed elettronica, decisamente un pezzo poco spooniano; più tradizionale invece Can I Sit Next To You. La seconda parte perde leggermente vigore, ma i risultati sono comunque buoni.

In conclusione, “Hot Thoughts” si aggiunge meritatamente ad una discografia già eccellente: gli Spoon restano ancora un gruppo fondamentale per gli amanti dell’indie.

Voto finale: 8.

Stormzy, “Gang Signs & Prayer”

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L’esordio tanto atteso del giovane artista inglese Stormzy è uno dei migliori CD dell’anno di musica grime. Cosa si intende con questo termine? Il solco seguito è senza dubbio quello dell’hip hop, ma il grime è ancora più duro e i temi trattati riguardano di solito la vita nei sobborghi delle grandi città britanniche. Insomma, un qualcosa di molto simile al gangsta rap degli anni ’90 del secolo scorso, solo ambientato in UK. Skepta (artista che ha anche collaborato all’ultimo CD di Drake) ne è il massimo esponente, ma Stormzy è il giovane rampante che cerca di far conoscere il grime anche al di fuori della ristretta cerchia dei fans “ortodossi”.

Stormzy tenta di raggiungere questo scopo mescolando al grime anche sonorità più morbide, fino ad avvicinarsi al gospel e al soul. Esperimento ambizioso e, per la verità, in gran parte riuscito. Infatti, dopo la partenza sparata con First Things First e Cold, abbiamo anche brani più intimisti come Blinded By Your Grace, Pt.1 e Velvet/Jenny Francis (Interlude).

I temi trattati sono in gran parte sintetizzabili nel titolo dell’album: “Gang Signs & Prayer” infatti parla prevalentemente dei temi tipici del grime, con le basi oscure e ossessive che caratterizzano il genere. Potrà non piacere, ma all’interno dell’hip hop è senza dubbio un’innovazione che sta rivitalizzando il mondo della musica black.

Con 16 canzoni e una durata vicina ai 60 minuti, non tutto può essere perfetto; tuttavia, aspettiamo con impazienza una nuova prova da parte del giovane Stormzy, per capire meglio se in lui prevarrà la parte rap o quella più melodica del gospel/soul. Per ora, questo “Gang Signs & Prayer” è un ottimo esordio per uno dei maggiori talenti nati nella musica nera degli ultimi anni.

Voto finale: 8.

SZA, “CTRL”

sza

L’esordio della giovane Solána Imani Rowe, in arte SZA, arriva dopo due brevi EP, “S” e “Z”. Ci saremmo aspettati una “A” per chiudere la trilogia, invece la cantante americana ha optato per “CTRL”. Il titolo, in effetti, è evocativo di un tema che pervade molti brani nel CD: il controllo della propria sessualità e della propria femminilità. “CTRL”, infatti, tratta in pressoché ogni pezzo la questione della libertà sessuale della giovane SZA, ma non solo: il messaggio può essere universalmente inteso ed è molto attuale. Basti pensare, ad esempio, al proliferare delle app per incontri e alla superficialità che i rapporti amorosi, soprattutto fra gli adolescenti, denotano da alcuni anni a questa parte.

Musicalmente parlando, l’album è un ottimo esempio di R&B moderno, con inserti di hip hop (basti guardare agli ospiti, da Kendrick Lamar a Travis Scott). SZA sfodera le canzoni migliori all’inizio e alla fine: molto bella la doppietta iniziale rappresentata da Supermodel e Love Galore, così come la conclusiva 20 Something. La caratteristica più apprezzabile è che il disco sembra avere un andamento circolare: come partiamo, vale a dire con un brano semplice e con strumentazione minimale, così arriviamo. Delude, purtroppo, la collaborazione con Kendrick, la scialba Doves In The Wind: il suo verso è fuori contesto, a dimostrazione che lui è “solamente” il miglior rapper in circolazione, l’R&B non fa per lui.

Altri brani riusciti, per contro, sono la vivace Prom e Pretty Little Birds; delude invece la parte centrale del disco, un po’ monotona. In generale, insomma, sono rintracciabili sia le influenze che i principali difetti del CD: se Solange, The Weeknd e Frank Ocean sono i riferimenti artistici di SZA, non tutti sono in grado di costruire capolavori come “Channel Orange” oppure “A Seat At The Table”. Aspettiamo SZA alla seconda prova: la stoffa sembra esserci.

Voto finale: 7,5.

Feist, “Pleasure”

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Il quinto album della canadese Leslie Feist, precedentemente nei Broken Social Scene, è un concentrato delle sue migliori qualità: coesione sonora, bel tono di voce e dettagli sempre sorprendenti ad impreziosire le canzoni (il breve intermezzo heavy metal alla fine di A Man Is Not His Song è davvero divertente).

In generale, l’indie rock di “Pleasure” è più pensoso del solito: se pensiamo ai principali interpreti del genere, ad esempio Strokes e Franz Ferdinand, si delinea un genere veloce e ballabile. In realtà, questo CD è molto più complesso e denso di quanto si possa pensare: le canzoni superano spesso i 5 minuti di durata e il rock si intreccia al chamber pop. Insomma, Feist risulta in “Pleasure” un mix fra PJ Harvey e Angel Olsen: due fra le massime interpreti femminili del rock contemporaneo.

Il CD si apre con la rockettara title track, fra i pezzi migliori del disco. Accanto ad essa tuttavia, come già accennato, troviamo pezzi molto più “tranquilli” come Lost Dreams e Young Up, altri due highlights. Non male anche Get Not High, Get Not Low e Any Party. Tra i punti deboli, contiamo la fin troppo lunga e monotona Baby Be Simple; la collaborazione con Jarvis Cocker, frontman dei Pulp, rende Century passabile, altrimenti non sarebbe nulla di speciale.

Il giudizio complessivo resta comunque positivo: non parliamo del lavoro della vita per Feist, ma certamente un altro solido lavoro che va ad aggiungersi ad un’ottima discografia. Nessuna replica del bellissimo “The Reminder” (2007), insomma, ma “Pleasure” non deluderà i fan dell’artista canadese.

Voto finale: 7,5.

Julie Byrne, “Not Even Happiness”

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Il secondo CD della cantante folk statunitense Julie Byrne ha attirato l’attenzione della critica fin dall’uscita, il 27 gennaio 2017. Un insieme di 9 canzoni (meglio, 8 più un breve intermezzo strumentale) che colpiscono per la capacità delle melodie, spesso molto semplici peraltro, di evocare davvero un mondo di sentimenti.

In particolare, la giovane Byrne riesce, anche grazie alla sua voce profonda, a ricordare i grandi maestri del genere, su tutti Bob Dylan e Sufjan Stevens. Le canzoni di per sé non sono clamorosamente innovative o radicali, ma creano un CD coeso e malinconico sui sentimenti provati dalla cantautrice (il titolo “Not Even Happiness” dice tutto a riguardo).

Le canzoni migliori sono Sleepwalker e Natural Blue, ma anche Follow My Voice è molto affascinante. Il ridotto numero di canzoni impedisce di valutare appieno la bravura della Byrne, ma la stoffa sembra esserci. La attendiamo alla fatidica prova del terzo album.

Voto finale: 7,5.

Ryan Adams, “Prisoner”

prisoner

Il sedicesimo album solista di Ryan Adams (EP compresi), star americana del country e del rock, è anche il suo più personale. Infatti, il tema principale trattato nel CD è il dolore provato dopo il divorzio dalla cantante Mandy Moore. Un “breakup album”, dunque, che tuttavia non ricorda neanche lontanamente i Dirty Projectors dell’omonimo album “Dirty Projectors” uscito a marzo: Adams si mantiene nei consueti sentieri del rock/country, alternativo ma orecchiabile, genere che ne ha fatto la fortuna.

Non siamo sugli eccellenti livelli di “Heartbreaker” (2000), vero capolavoro di Adams, ma almeno al buonissimo “Gold” (2001) questo “Prisoner” ci si avvicina. Degne di nota sono Do You Still Love Me, che già nel titolo dice tutto; la calda Haunted House; e la riuscita Anything I Say To You Now. Ma il vero capolavoro è Shiver And Shake, che ci fa capire come Adams abbia ancora molto da dare alla musica. Per contro, Breakdown e Outbound Train sono puro filler; ma con Adams ormai sappiamo che è una tassa da pagare in ogni suo lavoro.

In conclusione, esprimiamo qua un pensiero che molti condivideranno: probabilmente, se fosse stato meno prolifico e maggiormente concentrato sulla qualità delle singole uscite (evitabile, ad esempio, il remix traccia per traccia di “1989” di Taylor Swift), la carriera di Ryan Adams sarebbe stata anche più brillante. Peccato, ma godiamoci perle come questo “Prisoner”: chissà quante ne avremo ancora da un artista al sedicesimo (!) LP/EP di inediti in 17 anni di carriera.

Voto finale: 7.

Recap: giugno 2017

Giugno sarà ricordato come un altro mese ricco di nuova musica di alto livello. In particolare, ad A-Rock ci concentriamo sulle seguenti uscite: la collaborazione fra Sufjan Stevens, Bryce Dessner, Nico Muhly e James McAlister; il secondo CD dei Big Thief; l’attesissimo secondo LP di Lorde; il sesto lavoro dei Phoenix; il terzo CD degli Alt-J; ma soprattutto il grande ritorno dei Fleet Foxes.

Fleet Foxes, “Crack-Up”

fleet foxes

Partiamo proprio dai Fleet Foxes: il complesso di Seattle, sei anni dopo “Helplessness Blues” e dopo una pausa durata tre anni, a causa del ritorno all’università del leader Robin Pecknold, è tornata sulla scena musicale con l’attesissimo “Crack-Up”. Beh, i risultati sono semplicemente eccezionali.

Fin dai titoli dei brani in scaletta capiamo che i Fleet Foxes hanno radicalmente innovato il loro sound: essi infatti contengono spesso due o tre denominazioni diverse, quasi a voler rimarcare la mutevolezza e progressione possibili non solo nell’intero CD, ma nelle singole canzoni. Ne è un chiaro esempio l’epica traccia iniziale, I Am All That I Need / Arroyo Seco / Thumbprint Scar: partenza lenta, parte centrale trascinante e finale raccolto. Ma questa è una caratteristica propria di molti brani del disco: se nell’esordio i Fleet Foxes erano noti per le loro melodie ariose, semplici e cantabili, in “Helplessness Blues” già si iniziavano ad intravedere cambiamenti importanti nel loro sound (basti pensare alle lunghissime The Plains / Bitter Dancer e The Shrine / An Argument), giunti a compimento in “Crack-Up”.

Oltre al magnifico brano iniziale, abbiamo almeno un’altra melodia complessa ma bellissima: il primo singolo Third Of May / Ōdaigahara, che finisce quasi con un sottofondo ambient. Molto bello poi anche il secondo brano utilizzato dalla band per promuovere il disco, Fool’s Errand: inizia come un tipico brano dei Fleet Foxes prima maniera, per poi finire con un morbido pianoforte che rende la conclusione davvero magica. Non che i pezzi più semplici siano disprezzabili: ad esempio, eccellente la breve – Naiads, Cassadies. Per contro, Cassius, – flirta con l’elettronica soft, arricchendo ulteriormente il ventaglio sonoro dei Fleet Foxes; infine, la conclusiva title track ricorda quasi gli Animal Collective, per poi terminare dolcemente.

Se avevamo bisogno di una conferma del talento compositivo di Pecknold & co., questo “Crack-Up” rende minore anche un mezzo capolavoro come l’esordio “Fleet Foxes” del 2008: melodie così dense e ricche di cambiamenti in un album folk non sono banali, tanto che viene quasi da parlare di progressive folk. “Crack-Up” resterà senza dubbio come uno dei migliori album non solo del 2017, ma dell’intero decennio.

Voto finale: 9.

Lorde, “Melodrama”

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Avevamo lasciato Lorde (nome d’arte della giovanissima neozelandese Ella Marija Lani Yelich-O’Connor) al grande successo di “Pure Heroine” (2013) e alla famosissima Royals. Il seguito di questo fortunato CD si è fatto attendere ben quattro anni, ma l’attesa è servita a Lorde per maturare definitivamente, come donna e come artista, generando un lavoro eccellente come “Melodrama”.

Già dalla copertina vediamo che qualcosa è cambiato: se in “Pure Heroine” avevamo semplicemente il titolo e l’artista, senza alcuna immagine, in “Melodrama” campeggia un ritratto molto affascinante della giovane Ella, quasi un quadro impressionista. Ma i cambiamenti di maggiore portata sono artistici.

In “Melodrama”, infatti, Lorde aggiorna la formula vincente del suo precedente lavoro: accanto al pop a volte ingenuo che la caratterizzava (perfettamente accettabile, visto che risaliva a quando Lorde era ancora minorenne), nel nuovo LP abbiamo un’elettronica tremendamente orecchiabile e perfettamente amalgamata al dolce pop delle origini, tanto che “Melodrama” è molto coeso, ritmicamente parlando.

Anche tematicamente, del resto, c’è un tema che lega fra loro le 11 canzoni del disco: Lorde immagina di trovarsi ad un party e di viverlo pensando anche ai problemi che non solo la riguardano personalmente, ma che sono riferibili a più o meno tutti i giovani millennials, per esempio la rottura di un fidanzamento e le sue conseguenze, la voglia di vivere il momento senza freni, gli effetti dell’improvvisa fama…

Ma è musicalmente, come già detto, che scatta la vera meraviglia: “Melodrama” è infatti uno dei migliori CD pop dell’intero decennio, al pari di “Lemonade” di Beyoncé e “Art Angels” di Grimes. Accanto ai bellissimi singoli, la danzereccia Green Light e la raccolta Liability, abbiamo altre perle indimenticabili: in The Louvre compare una linea di chitarra molto riuscita, Hard Feelings/Loveless ha una struttura molto complessa ed è probabilmente il brano più ambizioso mai composto da Lorde. Infatti, ricorda Royals inizialmente, ma poi evolve in un’elettronica minimal sorprendente e godibilissima.

Da elogiare anche il fatto che Lorde richiami, nella seconda parte dell’album, alcuni pezzi presenti all’inizio: abbiamo infatti Sober II (Melodrama) e Liability (Reprise), a testimoniare l’unità dei brani che compongono il CD.

In conclusione, stiamo parlando di un’artista nel pieno delle sue potenzialità: se dopo Royals potevamo pensare che la giovane Ella Marija Lani Yelich-O’Connor fosse una “one-hit singer”, prima “Pure Heroine” e adesso “Melodrama” ci hanno confermato che la vera, splendente popstar del XXI secolo risponde al nome di Lorde. Meno Katy Perry e Miley Cyrus, più Lorde: ecco un auspicio che ho per il futuro della musica pop.

Voto finale: 9.

Big Thief, “Capacity”

big thief

I Big Thief sono un complesso americano che suona un indie rock intimista come poche volte si è sentito, sia musicalmente che come tematiche affrontate. Il loro primo album, “Masterpiece” del 2016 (viva la modestia), era un buon connubio di pop e rock; in “Capacity” notiamo un affinamento della formula che li ha fatti conoscere.

Il punto di forza del gruppo è senza dubbio la bellissima voce di Adrianne Lenker, evocativa e fragile come solo le migliori voci femminili sanno essere: in Watering ne abbiamo un chiaro esempio. Le strumentazioni non sono né innovative né radicalmente differenti da “Masterpiece”, tuttavia il risultato complessivo è più convincente. Abbiamo infatti ottimi brani come l’intimista Pretty Things, Shark Smile (che parte quasi punk) e il nucleo del CD, la bellissima Mythological Beauty. Da non trascurare anche la parte finale del disco, con Haley e Mary come highlights.

In conclusione, “Capacity” sicuramente amplierà la platea di fans dei Big Thief, un premio meritato per un gruppo certo non rivoluzionario, ma che sa usare gli ingredienti dell’indie rock più classico per creare brani mai banali.

Voto finale: 7,5.

Alt-J, “Relaxer”

alt-j

Il terzo album del complesso inglese è una sintesi di tutte le sonorità incontrate nei due precedenti CD, il bel “An Awesome Wave” (2012) e “This Is All Yours” (2014). La fama degli Alt-J è cresciuta considerevolmente nel corso degli anni, facendone uno dei gruppi rock più apprezzati dal grande pubblico. Ciò malgrado le sonorità del gruppo non siano facili o commerciali: spesso paragonate ai Radiohead, a torto o a ragione, le canzoni degli Alt-J hanno in effetti sempre un non so che di malinconico, pur non arrivando alle vette espressive e artistiche di Thom Yorke & compagni.

“Relaxer” è un titolo ingannevole: le 8 canzoni che formano il CD sono tutto meno che rilassanti. A partire dall’iniziale 3WW, gli Alt-J creano un concentrato delle caratteristiche che li hanno fatti amare (o detestare, a seconda dei punti di vista): voci eteree, parti strumentali preponderanti e strutture delle canzoni mai banali. Colpiscono in particolare, tuttavia, le canzoni dove gli Alt-J si lasciano andare, trascinati da un ritmo più frenetico del solito: ad esempio, In Cold Blood e Hit Me Like That Snare. Anche i pezzi più lenti, va detto, non si fanno disprezzare: l’ambiziosa House Of The Rising Sun magari è troppo lunga, ma certo non trascurabile; lo stesso dicasi per Deadcrush.

I difetti del disco sono principalmente due: il ridotto numero di canzoni e la scarsa coesione tra le varie sonorità affrontate. Quest’ultimo aspetto può anche rivelarsi un vantaggio, per esempio lo era in “Kid A” dei loro mentori Radiohead; però in un LP che non introduce nulla di nuovo nel mondo degli Alt-J rischia di essere visto come una svolta a metà.

In conclusione, “Relaxer” non verrà ricordato come il più bel lavoro del trio britannico, però merita comunque un ascolto. L’evoluzione degli Alt-J continua: vedremo dove li condurrà nel prossimo CD.

Voto finale: 7,5.

Sufjan Stevens, Bryce Dessner, Nico Muhly & James McAlister, “Planetarium”

planetarium

Quando Sufjan Stevens si lancia in un nuovo progetto, l’attenzione è sempre massima: stiamo parlando di uno dei cantautori più importanti della nostra epoca, con all’attivo capolavori come “Illinois” (2005) e “Carrie & Lowell” (2015). Ancora più interessante è il fatto che il nuovo progetto sia in collaborazione con il chitarrista dei The National, Bryce Dessner, e due ottimi musicisti come Nico Muhly e James McAlister. Cosa potrà mai venire fuori da un grande artista folk, un chitarrista indie rock e due musicisti molto sperimentali nelle loro composizioni? La soluzione alla domanda è “Planetarium”, un monumentale CD di 17 brani per 77 minuti di durata, che fonde fra loro elettronica e sperimentalismo. Resta poco o nulla del folk scarno di Sufjan, ma anche il rock raffinato dei The National si perde nella costellazione sonora dell’album.

Già la genesi dell’album meriterebbe un articolo a parte: un museo di Eindhoven nel 2011 commissionò a Muhly un’opera riguardante il sistema solare. Lui decise di coinvolgere gli altri tre amici copra menzionati e vennero fatte delle registrazioni. Al di là di qualche performance live, tuttavia, il progetto non venne mai portato a compimento. Questo fino al 2016, quando i quattro ripresero le registrazioni e decisero di estrarre un CD incardinato sullo stesso tema originariamente commissionato a Muhly.

Sufjan Stevens, infatti, presta la voce a un LP dedicato al sistema solare: tutti i titoli infatti richiamano parti del nostro universo, dai pianeti alla materia oscura, dalle stelle alle comete. Molti brani superano i 5 minuti di durata (Earth addirittura i 15), ma altri sono brevissimi (Halley’s Comet, Tides e Black Hole sono inferiori al minuto). La struttura del lavoro è dunque variegata, per non dire confusa. Tuttavia, il fascino della voce di Sufjan e le complesse melodie che caratterizzano le canzoni di “Planetarium” ne fanno una sorta di “The Age Of Adz” 2.0; non tutto è perfetto, ma i risultati sono comunque intriganti.

Tra gli highlights del CD abbiamo Uranus, Black Energy (entrambe con ottimi intermezzi strumentali), la deliziosa Moon e l’elettronica Saturn, in cui Stevens modifica visibilmente la sua voce con l’Autotune e la vicinanza a “The Age Of Adz” è evidente.

Il lavoro, inevitabilmente, ha anche dei passi falsi, dato il grande numero di canzoni e l’elevata difficoltà di trovare ritmi sempre cangianti ma non eccessivamente complessi per il pubblico: fra di essi ricordiamo la troppo barocca Pluto e la già menzionata Earth, eccessivamente prolissa: infatti, malgrado una buona prima parte, la canzone si perde nel finale.

In generale, dunque, se da una parte i nomi che hanno collaborato al progetto di “Planetarium” sono indubbiamente importanti per la scena musicale contemporanea, dall’altra era difficile sperare in un LP coeso e sempre efficace, date le diverse origini e i differenti percorsi musicali seguiti dai quattro protagonisti. Il risultato finale resta comunque accettabile: merita almeno un ascolto.

Voto finale: 7.

Phoenix, “Ti Amo”

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“Ti Amo” è il sesto album dei francesi Phoenix, ispirato da un viaggio a Roma del cantante Thomas Mars (tra l’altro marito della regista Sofia Coppola). Come si può intuire dal titolo, l’influenza del Belpaese è presente ovunque: 5 delle 10 canzoni del CD possiedono titoli italiani, spesso anche i testi sono cantati in italiano (neanche troppo zoppicante) da Mars. Un motivo in più per amare i Phoenix, dunque? Indubbiamente sì, per noi italiani. Chissà i cugini d’Oltralpe cosa ne penseranno…

A parte le battute, musicalmente prosegue la lenta evoluzione del quartetto. Partiti da una forte ispirazione new wave, con nobili ascendenti come Air e Daft Punk, a partire dal bellissimo “Wolfgang Amadeus Phoenix” (2009) i Phoenix hanno cercato di percorrere lidi alternativi, mai distaccandosi troppo dall’amato french rok sia chiaro, ma facendo ipotizzare una svolta nel loro sound. Infatti, in “Bankrupt!” del 2013 avvertivamo un influsso di sonorità quasi orientaleggianti (basti ricordare Entertainment), mentre in questo “Ti Amo” abbiamo una forte apertura per la musica dance. Si badi: niente di tamarro à la Chainsmokers, ma certamente sonorità più elettroniche che nei precedenti LP.

Abbiamo già ricordato la particolarità del CD: evocare continuamente l’Italia e le sue bellezze. Non è strano, dunque, citare il fior di latte o Via Veneto nei titoli di due canzoni, così come sentire evocare i grandi Lucio Battisti e Franco Battiato in J-Boy. A volte, poi, Mars mescola fra di loro addirittura tre lingue: inglese, francese e italiano! Succede nella title track Ti Amo e in Goodbye Soleil.

Tra i brani migliori del disco abbiamo il singolo J-Boy; la trascinante Lovelife; e la orecchiabilissima Fleur De Lys. Non stiamo parlando di un capolavoro, insomma, anche perché a livello testuale (come quasi sempre nei lavori dei Phoenix) non abbiamo acute analisi della società o del presente politico, tanto per capirci. Tuttavia, un CD così compatto e ascoltabile in pressoché ogni contesto extralavorativo, dalla festa in spiaggia alla discoteca, non è disprezzabile, specialmente in estate.

Voto finale: 7.

Recap: maggio 2017

Anche maggio si è rivelato un mese ricco di uscite interessanti. Tra di esse, ci concentriamo in particolare sul clamoroso ritorno dei veterani Slowdive; sul terzo album di Mac DeMarco; sul quarto LP di Perfume Genius; e sul sesto CD dei Kasabian.

Slowdive, “Slowdive”

slowdive

È ufficiale: lo shoegaze è ancora vivo e lotta insieme a noi. Dopo il clamoroso ritorno nel 2013 degli alfieri di questo genere, i My Bloody Valentine, con il magnifico “m b v”, adesso anche gli Slowdive sono tornati a produrre nuova musica. E pensare che questo è solo il quarto album della band britannica, il primo dopo “Pygmalion” del 1995. Un’attesa di ben 22 anni, ma ripagata: i risultati di “Slowdive” raggiungono le vette artistiche dei precedenti lavori del gruppo, non rovinando un’eredità che inizia ad essere davvero ingombrante.

Gli Slowdive, infatti, riprendono da dove avevano finito: un genere a metà fra shoegaze e dream pop. Con parametri odierni, possiamo dire che in loro troviamo Beach House, M83 e My Bloody Valentine (ops) in egual misura. Nei suoi momenti migliori, “Slowdive” è davvero eccellente: l’iniziale Slomo è sognante e affascinante, anche grazie alla perfetta voce di Rachel Goswell; Don’t Know Why è davvero ipnotica, per merito soprattutto alle voci eteree della Goswell e di Neil Halstead; infine, Sugar For The Pill flirta col pop e contiene una magnifica linea di basso, inusuale per una band shoegaze. Ma è proprio per questi dettagli che amiamo gli Slowdive, no?

I difetti principali del lavoro sono due, il ristretto numero di canzoni (appena 8) e la monotona conclusione: Falling Ashes infatti, nei suoi 8 minuti di durata, rende fin troppo pessimista e malinconica l’ultima parte del CD. In generale, però, la qualità è molto alta, come già ribadito: l’ascolto di questo LP è consigliato a tutti coloro che vogliono sperimentare nuove forme di rock, entrando nel mondo dello shoegaze e immergendosi pienamente in un insieme di chitarre distorte, voci che si rincorrono e atmosfere ambient. Insomma, un estratto di puro shoegaze.

Voto finale: 8.

Perfume Genius, “No Shape”

perfume genius

Il quarto album di Mike Hadreas, in arte Perfume Genius, è un sontuoso lavoro pop. Se i precedenti suoi CD si contraddistinguevano per un pop più ermetico e minimal di quello mainstream, in “No Shape” Hadreas è più aperto, sia come tematiche trattate che come sonorità.

Le 13 canzoni che compongono l’album, per un totale di 43 minuti di durata, formano un album conciso e affascinante, con due chiare metà: se la prima è caratterizzata da ritmi gioiosi, la seconda è molto più drammatica e misteriosa, richiamando le sonorità di Brian Eno e del David Bowie più ambient. Insomma, Perfume Genius ha orchestrato un LP molto ambizioso e mai fuori fase: al netto di momenti che possono piacere meno di altri, il livello complessivo di “No Shape” è altissimo e avvicina Hadreas ai grandi autori pop contemporanei, su tutti Anohni (il fu Antony Hegarty).

Nella prima parte colpiscono particolarmente Otherside e Slip Away, mentre nella seconda ricordiamo soprattutto Run Me Through e la maestosa Alan, che chiudono l’album. La migliore è però Every Night: poco meno di 3 minuti di pop da camera fragile e ipnotico, con la bella voce di Perfume Genius a dominare. Dicevamo prima che vi sono pezzi leggermente più deboli, che abbassano il livello medio del CD: abbiamo ad esempio Just Like Love e Go Ahead, ma sono peccati veniali in un lavoro davvero notevole.

Dal punto di vista dei testi, l’omosessualità del cantante viene nuovamente fuori in molte delle canzoni, ma non con la negatività dei precedenti lavori: se nei primi suoi CD si parlava di abusi fisici e di sostanze stupefacenti, già in “Too Bright” (2014) cominciava a vedersi la luce in fondo al tunnel. In questo “No Shape” possiamo addirittura leggere dei riferimenti all’attualità politica, in particolare alla polemica sui diritti per le coppie gay: “How long must we live right before we don’t even have to try?” canta Hadreas in Valley General.

“No Shape” è dunque l’album più completo e riuscito di Perfume Genius: merita senza dubbio un posto d’onore tra gli album pop-elettronici più belli degli ultimi anni.

Voto finale: 8.

Mac DeMarco, “This Old Dog”

this old dog

Il terzo album del talentuoso musicista canadese Mac DeMarco, “This Old Dog”, prosegue la lenta evoluzione che ha contraddistinto la sua breve ma prolifica carriera. Qui Mac suona tutti gli strumenti e canta in tutte le canzoni, curando anche la produzione: insomma, un egocentrismo notevole. Non è un caso, probabilmente, che anche i testi riflettano questo atteggiamento: nella ipnotica My Old Man troviamo riferimenti al tormentato rapporto con suo padre, Sister è dedicata alla sorella minore.

Non bisogna però pensare che nella vita di tutti i giorni DeMarco sia un maniaco à la Kanye West, un altro che di egocentrismo se ne intende. Anzi, vale il contrario: lui si dà sempre l’apparenza del ragazzo appena alzato dal letto, con l’aria trasandata e mezza addormentata. Contemporaneamente, però, egli è anche una persona fragile e insicura: lo dimostrano i testi presenti soprattutto nei precedenti lavori, come “2” (2012) e il bel “Salad Days” (2014).

A colpire è l’evoluzione stilistica del giovane Mac: se nei precedenti CD era maggiormente in evidenza l’aspetto indie rock (spaziando da Two Door Cinema Club a Ariel Pink e Real Estate, tanto per capirsi), in “This Old Dog” il pop è preponderante. Sia chiaro: non parliamo di cambiamenti radicali, come del resto era difficile aspettarsi da una persona “calma” e assorta come Mac. Tuttavia, questo è il primo LP a firma Mac DeMarco dove la produzione è brillante e la cura dei dettagli massima: ai fan della prima ora potrà non piacere troppo la perdita dell’ingenuità e (finta) noncuranza dei primi lavori, ma le persone cambiano con il passare del tempo e Mac sembra aver trovato la definitiva maturità, personale ed artistica.

Musicalmente parlando, “This Old Dog” presenta un Mac DeMarco molto simile ai lavori solisti di John Lennon e ad Harry Nilsson: insomma, due padri della musica moderna. Proprio per questo il CD non brilla per innovazione, ma ciò non va a discapito della qualità complessiva: prova ne sono la bella title track, My Old Man, Baby You’re Out e A Wolf Who Wears Sheeps’ Clothes. Strana ma riuscita anche On The Level, che flirta con l’elettronica soft. In generale, le canzoni sono brevi, addirittura Sister dura poco più di un minuto. Tuttavia, la particolarità di DeMarco è di saper sempre cambiare le carte in tavola: la lunghissima Moonlight On The River (più di 7 minuti) è l’ideale chiusura del lavoro.

In conclusione, “This Old Dog” è un interessante passo in avanti nella discografia di Mac DeMarco, un artista di cui non sappiamo mai cosa pensare: ci fa o ci è? Avrà già raggiunto il picco delle sue capacità oppure no? Il giudizio è sospeso: “This Old Dog” rappresenta certamente il lavoro maggiormente personale e intimista del cantante canadese. Non vediamo l’ora di riascoltarlo in nuove tracce per dare un giudizio (speriamo) definitivo.

Voto finale: 7,5.

Kasabian, “For Crying Out Loud”

kasabian

Il complesso inglese, capitanato da Sergio Pizzorno e Tom Meighan, era chiamato ad una decisa inversione di tendenza: il precedente CD, “48:13” (2014), era stato una cocente delusione. A parte Eez-eh, infatti, il lavoro era un connubio mal riuscito di dance e funk: insomma, 48 minuti noiosi e pretenziosi. Le strade erano due: continuare sulla strada tracciata in “48:13”, migliorando radicalmente i risultati; oppure tornare sui più consoni lidi del rock alternativo.

I Kasabian, prudentemente, hanno deciso di tornare alle sonorità dei loro lavori più riusciti: quei “Kasabian” (2004) e “Velociraptor!” (2011) che sono ad oggi i loro CD migliori. In particolare, colpiscono le tre canzoni iniziali: III Ray (The King), You’re In Love With A Psycho e Twentyfourseven, mescolando Arctic Monkeys e Franz Ferdinand, si aggiungono ai brani più amati della loro produzione, per esempio L.S.F. e Fire. Ottima poi la lunghissima Are You Looking For Action?, che ricorda gli Hot Chip e denota una rinnovata ambizione di stupire il proprio pubblico da parte dei Kasabian.

Meno convincenti Comeback Kid e Wasted, che sembrano puro riempitivo per raggiungere il numero “prediletto” di canzoni per un CD rock (12). Va detto, però, che i risultati sono in generale confortanti: i Kasabian sono tornati in pista, non inventando nulla di nuovo, bensì puntando sulle loro qualità migliori, ovvero scrivere melodie ballabili e ritornelli accattivanti. Se sapranno seguire l’ambizione mostrata con Are You Looking For Action?, ne sentiremo delle belle. Bentornati.

Voto finale: 7.

Riecco i Gorillaz, più umani che mai

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Ci siamo: 7 anni dopo l’ultimo CD di inediti, il misterioso “The Fall”, Damon Albarn e Jamie Hewlett hanno resuscitato i Gorillaz. Giunta al quinto album, la band virtuale più famosa del mondo ha deciso di fare le cose in grande: ancora più varietà nella moltitudine di generi affrontati e una lista di ospiti spropositata. Una cosa è certa: questo “Humanz” è il CD più black della produzione dei Gorillaz; e anche il più politico.

Iniziamo la nostra analisi dalla parte prettamente strutturale: “Humanz” conta 20 canzoni, con una intro e 5 intermezzi. Si potrebbe pensare che l’insieme sia eccessivamente frammentato, ma non è così: Albarn aveva dichiarato che, in sede di scrittura dei pezzi, voleva comporre una playlist per la fine del mondo, che lui immaginava coincidere con l’elezione di Donald Trump. Cosa poi realmente avvenuta: il valore profetico dell’album è dunque indiscutibile. Ma i risultati sono all’altezza di questo ambizioso obiettivo? In generale sì: non sarà certo il miglior LP dei Gorillaz (“Demon Days” è irraggiungibile), ma anche “Humanz” ha molti pregi.

Il primo attributo del CD che salta all’occhio è la quantità di ospiti presenti: Vince Staples, Danny Brown, De La Soul tra gli esponenti più illustri della black music contemporanea; Noel Gallagher e Jenny Beth delle Savages per il rock. Ma non vanno trascurati Benjamin Clementine, Mavis Staples, Kelela… Insomma, ce n’è per tutti i gusti. In particolare, come già detto, questo CD sembra quasi un tributo alla musica nera: sono presenti forte influenze di hip hop, soul, funk e R&B. Gli episodi elettronici che caratterizzavano i precedenti lavori sono ridotti all’osso, così come i pezzi rock: un implicito segnale politico, in un periodo segnato dalle tensioni razziali, appare evidente in questa scelta stilistica.

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Ma è tempo di parlare delle canzoni di “Humanz”: a colpire positivamente è soprattutto la prima parte dell’album, in cui troviamo gli highlights del lavoro. Menzione in particolare per Ascension, Saturnz Barz e Andromeda, che vantano le collaborazioni rispettivamente di Vince Staples, Popcaan e D.R.A.M.; deludono un po’ invece Momentz (con i De La Soul) e Strobelite. Nella seconda parte, apprezzabile è Busted And Blue, tra i pochi brani in cui Albarn canta da solo, e la conclusiva We Got The Power, cantata con Noel Gallagher e Jenny Beth, senza dubbio il pezzo più adrenalinico del CD. Peccato per She’s My Collar, che abbassa la qualità media dell’album.

Dicevamo che questo è il lavoro più politico dei Gorillaz: ciò è evidente soprattutto in Hallelujah Money, in cui il giovane artista inglese Benjamin Clementine inneggia, come un santone, all’accumulazione del denaro come unica fonte di felicità. Un riferimento al neo-presidente americano sembra netto. Insomma, la critica di Albarn al materialismo rappresentato da Trump si sostanzia perfettamente in “Humanz”, forse il CD maggiormente “impegnato” della sua carriera.

In conclusione, dato per scontato il successo che bacerà il CD, noi non possiamo che apprezzarne la vena istrionica ma allo stesso tempo profondamente immersa nella realtà: saranno anche virtuali, ma un LP così “umano” come questo non è comune. Ecco, possiamo concludere così: per la prima volta nella loro carriera, i Gorillaz ci appaiono davvero umani. Bentornati.

Voto finale: 7,5.